Quem é esse tal de João Lemmos?

Grateful Dead - "Europe '72"

2011-11-16T09:25:00.006-02:00

...mas aqui, queridos leitores, eles criaram mágica.

Quem conhece o Grateful Dead sabe que sua longa trajetória pode ser resumida em uma palavra: espontaneidade. Seja em sua vertente mais experimental ou na faceta country explorada no início dos anos 70, os malfeitores californianos sempre estiveram mais à vontade na estrada que no estúdio, fazendo com que cada apresentação ao vivo soasse única, com um repertório que desfilava uma infinidade de canções, acompanhadas de jam sessions igualmente infinitas.

E justamente essa espontaneidade, louvada pelas centenas de deadheads – seguidores fanáticos do grupo, que consideravam o compositor, cantor e guitarrista Jerry Garcia uma espécie de guru –, era, em algumas ocasiões, sua pedra de tropeço. Quando o Grateful Dead subia ao palco, as harmonias vocais, a afinação dos instrumentos e a precisão das notas tocadas não pareciam estar bem em primeiro plano.

Acontece que, em 1972, dois anos após o lançamento da notável dobradinha ”Workingman’s Dead”/”American Beauty”, considerada o mais bem sucedido período do Dead dentro do estúdio, a americaníssima banda resolveu dar suas voltas pela Europa, em uma turnê gravada, empacotada e lançada sob a apropriada alcunha de “Europe ‘72”. E o que eu posso dizer com toda a certeza é que o velho continente fez muito bem aos cowboys psicodélicos de São Francisco.

No LP triplo, também lançado em CD duplo numa edição caprichada da Rhino, a banda soa coesa e, ao mesmo tempo, absolutamente natural, fazendo fluir um som livre e incrivelmente aconchegante. Existe alguma coisa misteriosa que permeia todo o registro; algo que não pode ser estudado nem planejado. Simplesmente era pra ser assim.

O disco começa com “Cumberland Blues”, que parece ter sido extraída de uma mina estadunidense no início do séc. XX. Aqui a canção adquire muito mais brilho que em sua versão original, assim como “China Cat Sunflower” que, unida à tradicional “I Know You Rider”, formam uma única peça de incrível impacto. As guitarras de Garcia e Weir desenham a música de modo a elevar a imaginação e o espírito do ouvinte a alturas nada seguras. O coro final nos trás de volta à terra firme, num pouso que causa imediatas saudades da viagem.

É impossível ouvir as rurais ”He’s Gone”, “Ramble On Rose” e “Tenessee Jed” sem cantarolar suas melodias por semanas a fio, ou não sentir fortes ondas de emoção com “Morning Dew” e “Looks Like Rain”, essa última lançada apenas como faixa bônus na já citada edição em CD. Pra levantar a poeira amontoada no solado das botinas de couro, temos “One More Saturday Night”, “Sugar Magnolia” e “Mr. Charlie”.

Como ponto negativo, só posso citar a enrolação presente em “Truckin”, “Epilogue”, “Prelude” e nas faixas bônus que sucedem “Looks Like Rain”, todas contendo aquelas jams arrastadas que perdem a atenção dos ouvintes... digamos... mais sóbrios. Nada que comprometa, contudo, o status de Um Dos Melhores Discos Ao Vivo Que Eu Já Ouvi Em Minha Vida que o fabuloso “Europe ‘72” conquistou, mesmo que sem muita pretensão.

E aqui vai uma dica do João: da próxima vez em que você estiver pegando uma estrada, sozinho em seu carro, tendo apenas o silêncio da madrugada como companhia, jogue uma moeda na jukebox, ajeite o chapéu e acenda seu cigarro de palha. Seja qual for seu destino, ele vai parecer ter chegado cedo demais enquanto o velho Dead estiver rolando nos alto-falantes.

1972 - O apogeu do movimento Progressivo

2010-07-20T16:59:00.010-03:00

Olá, amigos leitores do Quem É Esse Tal de João Lemmos?!

Hoje venho aqui apenas para divulgar um texto fundamental para minha formação musical, sem o qual eu não sei como seria meu gosto hoje em dia. O artigo, escrito por Cláudio Fonzi, foi disponibilizado originalmente no site Whiplash, podendo ser conferido no www.whiplash.net/materias/horizonteprogressivo/000215-yes.html (vale um page view). Com vocês, 1972 - O apogeu do Movimento Progressivo.

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Historicamente definido como surgido no ano de 1967, o estilo denominado Rock Progressivo permaneceu por alguns anos restrito praticamente à Inglaterra, através de bandas como Pink Floyd, The Moody Blues, The Nice e King Crimson.

A partir de 1970, muitas bandas inglesas foram surgindo, mas em outros países continuava havendo uma representatividade muito pequena, com pouquíssimos lançamentos fonográficos. O ano de 1972, porém, marcou o início da Grande Era Progressiva, com muitos lançamentos de altíssimo nível, não somente entre as bandas inglesas, mas também por diversas bandas de outros países, sendo que boa parte desses lançamentos pode ser considerada como a obra-prima de seus criadores.

Tais lançamentos proporcionaram também uma maior identificação do público em geral, o que terminou por posicionar vários discos Progressivos entre os mais vendidos. Assim sendo, para ilustrar tais fatos com maior detalhe e abrangência, segue abaixo pequena relação, acompanhada de breve descrição das principais obras editadas naquele ano, começando pela Inglaterra:

- "CLOSE TO THE EDGE": Praticamente uma unanimidade entre os fãs do YES, esta obra é admirada pela grandíssima maioria dos proggers e mesmo pelos não-apaixonados pelo estilo. Perfeito em todos os aspectos, é constituído por três maravilhosas sinfonias - "Close To The Edge", "And You & I" e "Siberian Khatru", todas de longa duração. Este trabalho marcou também o apogeu da formação clássica dessa banda, constituida pelos geniais Jon Anderson (vocais), Steve Howe (guitarras e violões), Rick Wakeman (teclados), Chris Squire (baixo e vocais) e Bill Bruford (bateria), no que possivelmente foi o mais virtuoso quinteto surgido na história da Música. A capa foi criada por Roger Dean, o mais importante capista Progressivo de todos os tempos. Em termos de vendas, obteve grande sucesso, atingindo pelo menos o 6º lugar nos EUA e o 9º na Inglaterra.

- "TRILOGY": Outra quase unanimidade entre seus fãs, é o mais coeso trabalho do infernal trio EMERSON, LAKE & PALMER. Contendo um total de 7 faixas, têm como destaques a belíssima suíte "The Endless Enigma", a balada "From the Beginning" e a magistral adaptação da peça erudita "Rodeo" (do compositor americano Aaron Copland), que recebeu o título de "Hoedown".
No aspecto vendas, atingiu a 7ª posição nos EUA e o 8º na Inglaterra.

- "THICK AS A BRICK": Indiscutivelmente, é a obra-prima da fantástica carreira discográfica do JETHRO TULL. Extremamente ousada para a época, esta obra se constituía em apenas 1 música, dividida em duas partes de mais de 20 minutos cada. Além disso, suas letras eram de uma audácia e ironia contundentes e sua capa (um verdadeiro jornal, com várias páginas, noticias de todos os tipos, horóscopo, palavras cruzadas, etc etc) de uma criatividade extraordinária. Criada pelo absolutamente genial Ian Anderson (flauta, vocais e violão), contou também com a presença dos excelentes Martin Barre (guitarra), Barriemore Barlow (bateria), John Evans (teclados), e Jeffrey Hammond (baixo). Tornou-se também um dos discos Progressivos mais vendidos até aquela época, chegando ao 1º posto nos EUA e pelo menos ao 9º na Inglaterra. Na extensa carreira discográfica do Jethro Tull, foi lançado também nesse ano, o esplêndido album duplo "LIVING IN THE PAST", misto de coletânea com inéditas de estúdio e ao vivo e produzido com maravilhoso capricho, com capa dura estilo "livro" e várias folhas internas repletas de fotos coloridas. A despeito de ser duplo, atingiu o 4º lugar nas paradas americanas.

- "FOXTROT": Este álbum contém, para muitos, a obra máxima do Rock Progressivo - a extraordinária suíte "Supper's Ready" e seus mais de 22 minutos. Repleta de variações melódicas e mudanças de tempo, é até hoje, uma das mais sofisticadas e imitadas obras da Música Moderna. Contendo mais 5 excelente músicas, este album marcou a fase áurea do GENESIS (consolidada definitivamente no ano seguinte, com o lançamento de "Selling England by The Pound"), sendo que a formação era absolutamente brilhante, com Peter Gabriel (vocais e flauta), Steve hackett (guitarras e violões), Tony Banks (teclados), Mike Rutherford (baixo, violão, guitarra e vocais) e Phil Collins (bateria e vocais).

- "PROLOGUE": Apesar de não ter tido o sucesso mundial das obras citadas acima, este é certamente um dos mais belos trabalhos da banda RENAISSANCE, tendo tido ainda o inigualável mérito de ter revelado ao mundo a angelical voz da "Musa Absoluta do Rock Progressivo", a cantora Annie Haslam. Este disco marcou também o início da formação clássica da banda, completamente diferente da dos dois discos anteriores. Em "Prologue", os companheiros de Annie Haslam foram Jon Camp (baixo e vocais), John Tout (piano e vocais), Terence Sullivan (bateria e vocais) e Rob Hendry (guitarra, bandolim e vocais), além das participações fundamentais de Michael Dunford (composições), Betty Thatcher (letras), Jim Mc Carty (não pertencia mais a banda, mas contribuiu com duas belíssimas composições) e Francis Monkman (tecladista do CURVED AIR, fêz uma breve mas fantástica participação no sintetizador VCS3, na faixa "Rajah Khan").

- "DEMONS AND WIZARDS" e "THE MAGICIAN'S BIRTHDAY": Respectivamente, 4º e 5º lançamentos do URIAH HEEP, estes álbuns representam o mais alto nível de qualidade que esta banda chegou, com a apresentação de um Hard Rock Progressivo dos mais brilhantes já vistos. Com ligeira superioridade para "DEMONS...", ambos foram executados pela mais importante formação que a banda teve, incluindo o vocalista David Byron, o tecladista, guitarrista e vocalista Ken Hensley, o guitarrista Mick Box, o baixista Gary Thain e o baterista Lee Kerslake. As capas foram de autoria de Roger Dean.

- "SPACE SHANTY": Único album da banda KHAN, é absolutamente espetacular, tendo marcado o alavancamento da carreira do guitarrista Steve Hillage, que daí partiu para integrar o GONG. Contou também com o talento do tecladista Dave Stewart, um dos líderes do EGG e que, posteriormente, esteve em bandas como o HATFIELD & THE NORTH.

- "SWADDLING SONGS": Único album do MELLOW CANDLE (muitos anos depois foi lançado a coletânea de inéditas "The Virgin Pophet"), é uma das jóias mais preciosas do Folk Progressivo, pois reúne melodias absolutamente encantadoras com belíssimos arranjos. Entre os músicos participantes, o destaque vai para as vocalistas Alison Willians e Clodagh Simmonds (que depois participou brilhantemente de OMMADAWN, obra-prima de MIKE OLDFIELD), o guitarrista David Willians e o percussionista Willian Murray (que também participou de OMMADAWN).

- "LADY LAKE": 2º disco do GNIDROLOG, é sua obra mais brilhante, tendo seus pontos máximos nas fantásticas composições "I Could Never Be a Soldier" e "Ships". Entre seus membros, destaque para os gêmeos Colin Goldring (já famoso pela sua participação no clássico "THE YES ALBUM", tocava guitarra, sax, gaita e vocais) e Stewart Goldring (guitarra e vocais) e o multi-instrumentista Nigel Pegrum (flauta, bateria, oboé e piano), futuro membro do STEELEYE SPAN.

- "LIVE IN CONCERT WITH EDMONTON ORCHESTRA": Gravado no Canadá em 18 de novembro de 1971, este album marcou o ápice da carreira Progressiva do PROCOL HARUM, constituído por Gary Brooker (teclados e vocais), B.J. Wilson (bateria), Chris Copping (orgão), Alan Cartwright (Baixo) e Dave Ball (guitarra), que apresentaram-se acompanhados por Coral e Orquestra, realizando bela fusão entre as linguagens Rock e Música Erudita. Aclamado pela crítica, obteve também grande sucesso de vendas, permanecendo por 20 semanas nas paradas americanas, e chegando a atingir o 7º lugar.

- "PHANTASMAGORIA": 3º album do CURVED AIR, não costuma ser considerado como sua obra-prima, mas foi de extrema importância por ter obtido excelente vendagem na Inglaterra (esteve entre os 20 mais vendidos) e confirmado a popularidade atingida pela banda quando do lançamento de seu 1º album, intitulado "Air Conditioning", de 1970. Além disso, foi o último disco de estúdio a contar com os geniais músicos Darryl Way (violino, teclados, percussão) e Francis Monkman (teclados, guitarra, percussão). Como última boa caracteristica, a presença de duas canções magistralmente belas, "Melinda (More or Less)" e "Marie Antoinette" que revelaram, mais do que nunca, a belíssima voz da vocalista Sonja Kristina.

Outros trabalhos de excelente nível foram:

- "THREE FRIENDS": 3º album do GENTLE GIANT e um dos seus melhores.

- "WATERLOO LILY": 4º trabalho do CARAVAN e um dos seus melhores.

- "FIRST BASE": Fantástico 1º album da banda BABE RUTH. Infelizmente, nunca mais conseguiram repetir o feito, lançando apenas discos medianos ou fracos, sempre distantes do estilo Progressivo.

- "BODKIN": Excelente trabalho Hard-Prog da banda homônima.

- "RED SEA": 2º e excelente Hard-Prog do WARHORSE, banda que contava, entre outros, com o baixista Nick Simper (ex-DEEP PURPLE) e Ashley Holt (futuro vocalista da banda de RICK WAKEMAN).

- "FLASH" e "IN THE CAN": Respectivamente, 1º e 2º albuns do FLASH, banda que contou com astros como o guitarrista Peter Banks (líder do grupo, havia recém-saído do YES) e o tecladista Tony Kaye (outro recém-saido do YES, participou apenas do 1º album)

- "ARGUS": A despeito de não ser um disco totalmente no contexto Progressivo, é uma das maiores obras-primas da história do Rock e merece ser aqui incluído. Nesta época, o WISHBONE ASH contava com sua formação original e entre eles estava o guitarrista Andy Powell, responsável futuramente pelo magnífico solo de guitarra na música "Ashes Are Burning" do RENAISSANCE e, como convidado, o tecladista John Tout, igualmente daquela banda.

- "BLACK SABBATH VOL. 4": Outro trabalho não totalmente Progressivo, mas com algumas faixas totalmente inseridas nesse contexto e uma qualidade geral absolutamente espetacular!!!

- "MADE IN JAPAN": Entre os discos ao vivo mais idolatrados do Rock, é um album duplo do Deep Purple, certamente o grupo de maior capacidade e ousadia, em termos de improvisos instrumentais, que já se viu na história do Hard Rock. Tais improvisos eram extremamente longos, podendo chegar ao ponto de transformar músicas de 5 e 6 minutos em obras de mais de 30, como no caso das excelentes "Wring That Neck" e "Mandrake Root". Para a turnê no Japão, porém, improvisos tão longos não aconteceram, pois alguns meses antes, o Purple havia lançado sua obra-prima, o magistral album "Machine Head", e por este ser puramente Hard, o caráter Progressivo dos discos e shows sofreu considerável redução. Apesar disso, "Made in Japan", é um trabalho que contém os tradicionais e excelentes improvisos instrumentais e que, aliados aos brilhantes climas de teclados do mestre Jon Lord, permitem perfeitamente sua classificação como um trabalho de Hard Progressivo.

- "ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - NO ANSWER": Primeiro trabalho da banda homônima (também conhecida pela simples abreviatura ELO), cujo estilo se caracterizou por interessantíssima fusão de sonoridades puramente roqueiras com violinos e violoncelos sinfônicos. Em seu 1º album, além do futuro lider, o vocalista e multi-instrumentista Jeff Lynne, o ELO contava com a presença do também muilti-instrumentista Roy Wood, ambos ex-integrantes do THE MOVE.

- "MATCHING MOLE": 1º e homônimo album do grupo formado pelo baterista e vocalista Robert Wyatt após sua saída do SOFT MACHINE.

- "OBSCURED BY CLOUDS": a despeito de sua excelente qualidade, é um dos albuns menos Progressivos do Pink Floyd (apenas algumas faixas o são) e nesse artigo não deve entrar como destaque. Lembremos, porém, que todas as músicas do futuro clássico "DARK SIDE OF THE MOON" já haviam sido compostas e eram eram executadas na maioria dos shows que eles deram em 1972. OBC Atingiu o 6º lugar nas paradas britânicas.

-"EARTHBOUND": Gravado ao vivo, possuía sofrível qualidade de gravação, sendo execrado pela maioria dos fãs do KING CRIMSON e pelo seu próprio lider, o guitarrista Robert Fripp. Hoje em dia, porém, após a excelente remasterização em CD, pode-se perceber que o show havia sido fenomenal. Apesar da má qualidade sonora, chegou a se situar entre os 8 mais vendidos em 72 na Inglaterra.

-"DAYS OF FUTURE PASSED": Pois é, quem percebeu que a data original deste clássico dos THE MOODY BLUES não tem nada a ver com a desse artigo, está de parabéns. Existe, porém, uma grande razão para que ele seja citado aqui e esta é a seguinte: no 2º semestre de 72, foi feita uma reedição nos EUA e esta obteve incrível sucesso de vendas, permanecendo por várias semanas nas paradas, tendo atingido, inclusive, o 4º e o 5º lugares por um bom período. Este caso, além de ser bastante inusitado, mostrou muitíssimo bem o grau de pioneirismo desta obra, criada 5 anos antes, mas absolutamente à frente de tudo que havia sido feito até então. No ano de 1972, os THE MOODY BLUES lançaram o album "SEVENTH SOJOURN", belo álbum de baladas, mas muito pouco ligadas ao Progressivo.

- "CAMEL ON THE ROAD 1972": Outro trabalho que poderia não estar aqui incluso, pois só foi lançado 20 anos depois. De qualquer forma, serve muito bem para ilustrar o alto nível qualitativo que esta banda poderia atingir e também o quanto o cenário estava efervescente, com inúmeras bandas surgindo.

- "MIKE OLDFIELD": Outro exemplo para confirmar o comentário acima está no disco "TUBULAR BELLS", verdadeiro marco na concepção, execução e produção de um LP. O esmero em sua produção foi tão grande que o processo de gravação/mixagem e fabricação demorou mais de um ano e por essa razão acabou sendo lançado somente em 1973.

Almôndegas - "Almôndegas"

2010-07-17T00:01:00.001-03:00

Por Haig Berberian

A internet tem sido o mais eficiente meio de difusão de novos sons para quem tem o apetite sempre aberto aos diferentes estilos musicais do mundo todo. Para os exploradores de tesouros musicais escondidos então, tal ferramenta parece ter sido enviado pelos deuses diretamente do Olímpo. Muitos internautas adoram “cavucar” o Rock ‘n’ Roll dos buracos e cavernas mais obscuros da Terra, usando e abusando da tecnologia dos tão infames programinhas de compartilhamento, tão acusados de tirar o ganha-pão das pobres gravadoras, mas, por outro lado, responsáveis por revelar inúmeras bandas e artistas a um público que jamais teria acesso a eles, levando-os, inclusive, a adquirir os álbuns conhecidos graças aos downloads ilegais. Irônico, não?

Não obstante, é sobre outra grande ironia que pretendo discorrer na resenha de hoje. Os protagonistas dessa história de contradições são um conjunto das longínquas terras de Pelotas – e peço maturidade, querido leitor – cujo nome revela o teor altamente descontraído e natural de suas letras e filosofia de vida: Almôndegas. Pra quem não conhece, essa foi a primeira banda de Rock/MPB dos irmãos Kleiton e Kledir, famosos posteriormente por sua carreira como uma dupla. E não, eles não tocam música sertaneja, para a tristeza de muitos e minha profunda alegria.

“Mas onde está a ironia nisso tudo?”, pergunta-se o curioso internauta. A resposta é simples: uma das mais fortes características do grupo gaúcho era justamente a profunda aversão ao progresso e à modernidade, incluindo, é claro, a tecnologia, meio pelo qual eu tive o grande prazer – e agora você também, espero eu – de entrar em contato com essa música tão rica e arraigada à cultura gaúcha.

O álbum já começa com uma ode à vida simples no campo, “Sombra Fresca e Rock no Quintal”, talvez a faixa que mais aceite o rótulo de “Rock Rural”, estilo atribuído aos Almôndegas por muitos críticos – embora, em minha opinião, elementos da MPB predominem no trabalho deles, ao menos neste disco de estréia. Assim como a primeira faixa, a terceira e mais genial composição do disco, “Teia de Aranha”, parece ter sido cunhada por JJ Veiga, tamanha a ojeriza provocada na banda por quase tudo o que pode ser conectado à tomada. “Sou humano, mas namoro um computador / O progresso engoliu a nossa paz / E a teia engoliu a própria aranha”;

Ainda nesse espírito, a faixa “Almôndegas” trata do mesmo tema, só que dessa vez de forma mais bem humorada, utilizando-se de linguagem caipira e lógica simples, do tipo “Pra quê comprar Lamborghini se tem perna pra andar?”. Confesso, leitor, que eu responderia a essa pergunta sem grandes dificuldades.

“Olavo e Dorotéia (Uma Louca Estória de Amor)” é outra composição que merece destaque. Uma canção de belíssima singeleza, apesar do título um tanto piegas – odeio essa palavra, mas contento-me com ela no momento. Digna de nota também é “Daisy, My Love”, mais uma letra sensacional do grupo, unindo espírito crítico a humor.

Poupo meus internautas do enfado de um texto deveras longo – a recente profissão de publicitário vem me ensinando a importância da síntese – e já me despeço por aqui. Recomendo fortemente o álbum a quem deseja um pouquinho de cheiro de mato e bosta de cavalo impregnado nos muros de concreto da cidade, mesmo que somente pelos breves 33 minutos de duração do disco. Ou, se o ouvinte for um pouquinho espírito de porco, colocará o bucólico disco dos Almôndegas para tocar em seu “Lamborghini”. Prometo que não conto nada pro Kleiton. Nem pro Kledir. Até a próxima!

Coldplay - "Parachutes"

2010-03-20T03:21:00.002-03:00

Ultimamente eu ando deixando um pouquinho de lado meu (lindíssimo, magnânimo, fantástico, excepcional) Prog Rock em detrimento de uma musica mais Pop. Os lamentos do Tears for Fears estão cada vez mais freqüentes em meus ouvidos, e o som requintado do Keane já ganhou mais uma execução em meu iTunes. Estava há um tempo, também, querendo re-ouvir “Parachutes”, o primeirão do Colplay, e a impressão causada em mim foi mais uma vez tão boa que eu não resisti em escrever uma resenha dedicada a ele.

Não pode ser desse mundo uma sucessão tão grande de musicas excelentes, formando a mais sublime trilha sonora para um mergulho na escuridão – acabo de me arrepiar ao som da guitarra de “Everything’s Not Lost”, mas deixemos a última música para o final. O álbum me parece um orgasmo de 40 minutos de duração. E não me venham com esse papo de “A Rush of Blood to the Head” que, por mais que seja um álbum notável e extremamente inspirado em vários momentos, não chega aos pés de seu antecessor.

“Parachutes” abre os anos 2000 de uma maneira que nem os mais mirabolantes fogos de artifício nas mais belas praias do planeta puderam fazer, trazendo em sua simplicidade um charme irresistível. O que dizer da beleza melódica do disco? Temas completamente inovadores, dez músicas de uma sonoridade única, assim como dez impressões digitais únicas que só saem de um único par de mãos. O Coldplay não é subproduto de nada.

Subverterei hoje meu paradigma de análise faixa-a-faixa devido à (louvável) homogeneidade sonora do trabalho. Terão espaço apenas as músicas mais excepcionais do álbum – “Yellow” not included – o que poupará o leitor do tédio proporcionado por uma resenha de três páginas. Aliás, aqui vai uma dica: desligue o PC e corra à cópia de “Parachutes” mais próxima à sua casa.

Para o internauta mais obstinado, aqui vão os destaques do disco: após a banda se apresentar ao ouvinte com a ótima balada semi-SciFi “Don’t Panic”, surge o primeiro momento realmente genial do disco, “Shiver”, que tive a oportunidade de conhecer – mesmo que tardiamente – por meio do jogo de PS3 Guitar Hero. Igualmente fantástica, “Spies” nos delicia com sua atmosfera melancólica de cinema noir.

Por mais que eu tente, não consigo segurar o sorriso ao ouvir os primeiros acordes de “Sparks”, uma lindíssima balada basicamente acústica, possuindo o brilho que faltariam nas baladas do disco seguinte da banda. O grande e – pasmem – inspiradíssimo hit “Trouble” tem como protagonistas o bem trabalhado contrabaixo na melodia principal da canção e a slide guitar floydiana no refrão, além da sensacional melodia vocal.

Tão breve quanto um salto a queda livre, a faixa título do álbum termina tão bela e repentinamente quanto começa, dando lugar às hipnóticas e belíssimas guitarras de “High Speed”. “We Never Change” serve de passagem para o grand finale, a apoteótica “Everyting’s Not Lost”, certamente uma das melhores composições não apenas do Coldplay, mas de toda a cena pop da década. Após uma introdução singela feita ao piano e cantada pelo fantástico Chris Martin, Jon Buckland oferece, gratuitamente, o riff mais simples e genialmente encaixado de todo o álbum. A banda nem termina de dizer adeus e já estamos com saudades. Fazer o quê se o disco é bom, né...

Está bem claro que eu falhei em minha tentativa de produzir uma resenha um pouco mais sucinta, com apenas comentários pontuais em algumas das faixas. Não faz mal, uma vez que todos já conhecem a prolixidade crônica desse senhor imaginário chamado João Lemmos. O que realmente importa aqui é a preciosidade de “Parachutes” e seu grande globo giratório amarelo, que a mim parece mais uma medalha de ouro reluzindo no peito de um medalhista olímpico. Ou no peito de um disco. Ou sei lá. Adeus.

Gentle Giant - "Octopus"

2009-08-31T15:26:00.004-03:00

Certa vez Tom Jobim, um dos maiores nomes da MPB, se perguntou se o Rock evoluiria para o quarto acorde. Mal sabia ele que sua requintada Bossa Nova seria superada infinitamente em complexidade e riqueza de arranjos e timbres pelo infame estilo que, até então, apenas engatinhava. O Rock, filho maldito do Blues e do Country, mostrar-se-ia um adúltero de primeira, flertando com vários outros estilos e texturas alguns anos mais tarde, como o Jazz, o Bangra, o Folk, o Samba – alguém aí se lembra do Tropicalismo? – e a Música Erudita.

É nesse contexto, de casamento com os mais diversos estilos musicais, que surge o Rock Progressivo, tão martelado por mim nesse blog, e entre os maiores e mais influentes nomes de tal movimento está o genial grupo britânico Gentle Giant. Seu estilo único, abundante em harmonias riquíssimas e melodias pouco convencionais – para não dizer completamente absurdas, em alguns casos –, mesclou com brilhantismo o Rock e a Música Erudita, contendo, inclusive, boas doses de música medieval e renascentista.

O disco escolhido para a resenha de hoje é o quarto trabalho da banda, o reverenciado “Octopus”, de 1973. O Gentle Giant aqui atinge, talvez, seu máximo amadurecimento, estando completamente à vontade no terreno do “Baroque n’ Roll”. Afaste sua irmã adolescente desse disco, e nunca, sob hipótese alguma, mostre-o à sua querida vovó. Os efeitos podem ser extremamente drásticos. A apreciação desse álbum só será possível a mentes extremamente abertas, interessadas por manifestações artísticas ousadas e combinações perigosas. Ser louco também ajuda.

Sem mais delongas, vamos à análise da primeira faixa, “The Advent of Panurge”, um belo exemplo da mistura de influências eruditas de diversas épocas com uma sonoridade mais contemporânea, até mesmo funkeada em alguns trechos. A faixa possui um belo trabalho de polifonia vocal em seu início e em passagens diversas, sempre esbanjando requinte no que tange a instrumentação. É interessante notar os diferentes timbres de sintetizador – jamais ouvidos por mim em nenhuma outra música. O piano também está excelente.

“Raconteur Troubadour”, a mais atmosférica do álbum é, em minha opinião, a decodificação musical de sua capa, totalmente marinha. Em minhas divagações, sempre me ocorre a imagem de um capitão, no interior de seu navio, fazendo anotações em seu mapa – ou diário de bordo – com a lamparina escorregando em cima da mesa, com o balanço do barco; ou então imagino um polvo, lentamente movendo seus tentáculos nas profundezas oceânicas. Onirismo aparte, a faixa apresenta grande variação de timbres e atmosferas, nos transportando do alto-mar para um baile de gala, depois para um circo maluco e, finalmente, de volta para o navio. É, não teve jeito, essa música meche mesmo com minha imaginação...

A mais, digamos, “Rock ‘n’ Roll” do álbum, é a terceira faixa, “A Cry For Everyone”, possuindo um riff mais pesado do que de costume dentro da sonoridade da banda, mostrando sua diversidade e riqueza musical. A faixa, como não poderia deixar de ser, apresenta diversas variações rítmicas e, apesar de não constar entre as mais belas obras do grupo, possui arranjos bem trabalhados e inusitados.

Agora, leitor, prepare-se para uma obra-prima: “Knots”, um dos mais complexos trabalhos de polifonia vocal já ouvidos em todo a música pop. A obra pegará de surpresa o ouvinte menos experiente, e soará a ele como uma incompreensível maçaroca sonora. Aos ouvidos mais maduros, porém, será um sólido alimento, abundante e riquíssimo em arranjos e texturas, além de super original. É de dar nó na cabeça.

A faixa seguinte, “The Boys in the Band”, está entre as favoritas da maior parte dos fãs da banda. O Gentle Giant mostra que realmente não está de brincadeira, esbanjando talento e virtuosismo nos 4:32 minutos de duração da música, explorando os mais variados timbres de seu arsenal em uma massa sonora lancinante. Minha única crítica negativa à faixa é a excessiva repetição de temas que, apesar de excelentes, tornam-se um pouco cansativos. De qualquer forma, eu desafio qualquer banda a executar “The Boys in the Band” sem suar frio.

Depois de todo o exagero sonoro da última faixa, a banda alivia um pouco com “Dog’s Life”, predominantemente acústica e não tão inovadora, apesar de ainda apresentar arranjos e timbres bastante inusitados. Mesmo sem receber grande destaque, trata-se de uma bela faixa.

Dotada de singeleza e doçura pouco comum na discografia do gigante, “Think of Me With Kindness” abunda, ainda, em sons acústicos e baseia-se, principalmente em sua melodia principal, sem grandes voos instrumentais. Ainda que mais poderosa e classuda que a faixa anterior, “Think of Me With Kindness” mostra-se também comportada em relação ao restante do álbum.

O disco chega ao fim com a esquisitíssima melodia de “River” – completamente esquizofrênica – que retoma o clima aquático evocado pela segunda faixa. No meio da música, Gary Green ataca com um ótimo solo de guitarra, sustentado por acordes embalados e descontraídos executados por instrumentos tradicionais de Rock. A faixa possui, portanto, passagens mais inventivas e outras mais convencionais e funkeadas – que, sinceramente, chegam a agradar mais, nesse caso específico.

Considerações finais: “Octopus” é considerado um dos grandes álbuns do Rock Progressivo setentista, constando de qualquer lista dos melhores e mais importantes álbuns do gênero. Encontramos aqui uma banda madura que, por mais que escorregue em alguns pontos, consegue firmar-se definitivamente como uma gigante do estilo, ao lado de grupos consagrados como Yes, Jethro Tull e ELP – por mais que não tenham obtido o sucesso comercial das mesmas.

O álbum foi lançado com duas capas distintas: uma feita pelo lendário padrinho do Prog Roger Dean e outra produzida para o mercado norte-americano. Ambas são belíssimas obras, estampando – como não poderia deixar de ser – imagens de um polvo, representando muitíssimo bem a musicalidade do disco – principalmente a versão americana, a primeira das duas mostradas acima.

Então, caros leitores, a próxima vez que encontrarem um ensoberbecido boêmio, entusiasta dos grandes e renomados mestres da bossa, façam o favor de tacarem-lhe um Gentle Giant na cara para mostrá-lo que o Rock, há muito, não se resume a jaquetas de couro e um balançar de pélvis.

Engenheiros do Hawaii – “¡Tchau Radar!”

2009-05-17T23:24:00.008-03:00

Por Haig Berberian

Às vezes a gente pensa que determinados álbuns – daqueles que levaríamos junto se fôssemos a exílio para o Uzbequistão ou Marte – são igualmente considerados importantes para todos os outros fãs da banda que os produziu. Partindo dessa premissa, eu não conseguia entender a razão pela qual “¡Tchau Radar!”, um dos discos mais importantes da minha vida, está a tantos anos fora de catálogo, sendo achado – e a preços absurdos – apenas em sites como o Mercado Livre.

Conversando com uns amigos meus, também fãs dos Engenheiros do Hawaii, a mais controversa banda gaúcha, descobri algo que mudou meu modo de ver o mundo: eles não davam a mínima pro “¡Tchau Radar!”! Relutei em aceitar, bati o pé, impliquei, mas tudo que ouvi foram respostas do tipo “ele não está nem entre os meus 10 favoritos dos Engenheiros”. Será, oh céus, que meu disquinho de estimação não passa de um coadjuvante na discografia hawaiiana?

Bem, é claro que minha opinião a respeito do 11° trabalho de carreira de Humberto e seus capangas é completamente passional. Afinal, esse jovem redator que vos escreve teve tal álbum como porta de entrada ao universo musical dos Engenheiros, há 10 anos, quando o CD foi lançado. Lembro-me, ainda hoje, de assistir aos primeiros segundos do clipe de “Eu Que Não Amo Você” no Top 10 da MTV, e me perguntar “o que diabos seriam esses Engenheiros do Hawaii??”. Essa pergunta precedeu uma explosão mental tão expressiva que, até hoje, depois de ter passeado por vários estilos e tendências roqueiras, “¡Tchau Radar!” ainda configura em minha lista de álbuns mais preciosos.

Mas a obra não é feita somente de nostalgia. Esse é o trabalho de amadurecimento da formação Humberto, Lúcio, Luciano e Adal, grupo que perduraria somente por mais um registro, o matador “1000 Destinos Ao Vivo”, lançado no ano seguinte. Aliás, poucas vezes a banda soou tão poderosa no palco, provando a indubitável qualidade do grupo. Infelizmente o General Gessinger não agüenta ninguém ao seu lado por muito tempo – ou seria o contrário? – e no ano seguinte o exército de um homem só já contava com outra tropa.

“¡Tchau Radar!” já começa com uma porrada, “Eu Que Não Amo Você”, o carro chefe do disco. A tecladeira marcante, a guitarra destorcida e a batera agressiva dão peso à composição, um tanto fechada e escura, assim como a maioria das demais canções do trabalho. Destaque para o solo de guitarra, simples e preciso, dando à faixa exatamente o que ela precisava.

O disco segue com uma brilhante adaptação de “It’s All Over Now Baby Blue”, de Bob Dylan, recriada por Péricles Cavalcante e Caetano Veloso sob o título de "Negro Amor". Humerto ataca com sua gaita, na época não tão utilizada em canções da banda quanto na fase mais recente. A faixa, uma balada semi-acústica, foi extremamente bem produzida e esbanja bom gosto, agradando a gregos e troianos.

A estradeira “Concreto e asfalto”, direta e indomável, faz com que o ouvinte transporte-se imediatamente a uma BR qualquer. Letra e melodia dão show, e a instrumentação mostra-se extremamente competente, com timbragem impecável. A faixa traz consigo um ar nostálgico irresistível, e apresenta coesão perfeita com o restante do álbum.

A melancolia que permeia todo o disco encontra um de seus mais belos momentos em “Até Mais”. Poucas vezes Humberto Gessinger falara de amor tão abertamente, tão assumidamente, tão sentimentalmente até essa canção. Audição agradabilíssima.

“Nada Fácil” e “O Olho do Furacão”, as duas faixas seguintes, abordam temas mais pesados, como suicídio, depressão e desamparo, tendo reflexo em sua musicalidade obscura e febril. Ambas as faixas possuem letras fantásticas, em que HG soube dosar sua compulsão metafórica.

Retomando o tema de “Concreto e Asfalto”, a banda nos traz “Seguir Viagem”, apresentando, a exemplo dessa última, uma ótima orquestração e produção esmerada. Mais um grande momento do disco, lírico e poderoso ao mesmo tempo.

A próxima canção, “1000 Destinos”, outra balada muito elegante, apresenta ótimas letra e melodia.

Quebrando totalmente o clima e diferenciando-se substancialmente de todas as canções anteriores, a descontraída “Na Real” questiona forças transcendentais, misturando um tema de filme de terror e musicalidade western. Humberto diz ter composto a letra sob uma perspectiva literal, mas aprendeu a considerá-la como uma canção de amor, devido ao fato de vários fãs terem a considerado como tal.

O álbum segue com a beleza rara de “3x4”, uma belíssima homenagem de Gessinger à sua esposa. Diferentemente da roupagem “bobo-alegre” dada à canção no show acústico da banda, aqui “3x4” é revelada com sua real essência: vulnerável e sublime. A gaita e o violão envolvem a voz de maneira perfeita, gerando um momento intimista e sincero.

“Melhor Assim”, outro momento um pouco mais descontraído do trabalho, é um conselho de amigo para amigo. A faixa possui bom trabalho de guitarra e teclado, dispensando maiores comentários.

Eu não consigo pensar em uma conclusão melhor para um álbum de tamanha expressão que a releitura de “Cruzada”, composição brilhante de Tavinho Moura e Márcio Borges. O arranjo de cordas desarma qualquer ouvinte, banhando a canção de maneira tocante. É claro que há o dedo de um grande músico por trás uma tão magistral roupagem: nosso velho conhecido Jacques Morelembaum, para quem já rasguei a seda diversas vezes aqui no blog.

“¡Tchau Radar!”, em minha concepção, foi o último grande álbum de estúdio dos Engenheiros do Hawaii, antes de a banda entrar na veia mais modernosa dos álbuns-gerúndio “Surfando Karmas e DNA” e “Dançando no Campo Minado” e, posteriormente, afundar de vez no patty-pop normalzinho dos discos acústicos. Agora resta esperar e rezar para que Humberto apareça novamente com um trabalho de tão poucas vogais e tanta qualidade quanto esse.

Metamorfosi - "Inferno"

2009-03-14T14:15:00.006-03:00

“Quando eu me encontrava na metade do caminho de nossa vida, me vi perdido em uma selva escura, e a minha vida não mais seguia o caminho certo. Ah, como é difícil descrevê-la! Aquela selva era tão selvagem, cruel, amarga, que a sua simples lembrança me traz de volta o medo. Creio que nem mesmo a morte poderia ser tão terrível. Mas, para que eu possa falar do bem que dali resultou, terei antes que falar de outras coisas, que do bem, passam longe.” *

O texto, parte da obra prima de Dante Alighieri “A Divina Comédia”, serve de perfeita introdução ao disco que tenho o prazer de resenhar hoje: “Inferno”, da banda siciliana Metamorfosi, lançado em 1973 pela gravadora Vedette. Baseado na primeira parte da obra do autor, o álbum é uma verdadeira viagem ao centro da terra – onde, segundo a ficção de Dante, encontra-se Dite, o diabo, mastigando Judas Iscariote, Bruto e Cássio – provocando no ouvinte um calafrio a cada passo dado através das diversas alas em que sofrem, eternamente, as almas pecadoras.

Cada composição do álbum dedica-se a uma punição para um pecado específico citado por Dante em seu livro, criando atmosferas soturnas e uma experiência sonora pesada. O trabalho de Enrico Olivieri com os teclados é algo simplesmente incrível, e a obra soa absolutamente italiana, com arranjos sobressalentes e momentos fortes, sempre pontuados pela voz poderosa de Davide "Jimmy" Spitaleri, fazendo com que “Inferno” soe como uma ópera trágica e macabra. “Deixai toda esperança, ó vós que entrais!” *

O álbum tem início a fabulosa “Introduzione / Selva Oscura”, uma das melhores composições italianas – dentro do Rock Progressivo – já ouvidas pelos fãs do estilo. A fúnebre introdução, feita no órgão e no cravo, apresenta pela primeira vez a igualmente fúnebre voz de Spitaleri, passando posteriormente a um riff encabeçado pelos sintetizadores de Enrico. A faixa, riquíssima em timbres, texturas e andamentos variados, é de explodir a cabeça, possuindo uma energia fora do comum.

O disco prossegue com a lúgubre “Porta Dell’Inferno”, emendando-se a “Caronte”, a entidade responsável pela travessia das almas pelo rio Aqueronte. A faixa emenda-se, repentinamente, a “Spacciatore di Droga” (traficante de drogas), em que a banda toma a liberdade de adicionar um novo pecado e sua devida punição à adaptação musical do livro. Na mesma faixa estão contidas também “Terremoto” e “Limbo”, proporcionando grande dinamismo na obra, com variação entre trechos melancólicos e explosões viscerais.

Romântica – e até um pouco melosa –, “Lussuriosi” vem condenar os praticantes da luxúria, jogando-os em um eterno redemoinho. A faixa, apesar de não agradar muito sonoramente, apresenta coerência com sua letra. Predominam tons agudos quanto a instrumentação – pois a voz de Spitaleri continua grave e severa.

Um momento curioso na obra é “Avari” (avarentos), começando com um órgão sóbrio, em que se canta uma melodia triste e, depois, explode em um poderoso riff de sintetizador, voltando à passagem de órgão e, novamente, ao sintetizador, transformando-se em uma animada – e breve – musica meio, digamos, “videogamística”!

“Violenti” começa com o mesmo acorde de órgão, a que é acrescida uma belíssima melodia de sintetizador, dando entrada aos vocais melancólicos. Logo após esse trecho mais calmo a faixa torna-se mais enérgica. De súbito, tudo é interrompido para dar espaço à parte mais interessante da faixa, mais escura e fria, desenvolvendo-se em uma ótima sequência de acordes em que o sintetizador monstruoso de Olivieri ganha vida novamente.

“Malebolge”, o círculo da fraude, é retratado musicalmente de maneira agitada e atormentada. A faixa emenda-se a “Sfrutattori”, basicamente instrumental, dando vazão aos vôos tecladísticos de Enrico. Uma parte mais calma e bastante dramática é inserida no meio da faixa, e mais uma vez há uma sessão da tecladeira impiedosa tão presente no álbum. Enrico executa um fantástico e frenético solo de piano, um dos melhores trechos de todo o disco. A faixa transforma-se em um Jazz constituído pela bateria bem trabalhada de Gianluca Herygers e as melodias do baixo de Roberto Turbitosi. Após essa parte, o bom e velho Progressivo volta com tudo, e o piano fominha de Olivieri toma conta da faixa novamente.

Em “Razzisti” a banda insere mais uma vez um pecado novo ao inferno: o racismo. Ótima faixa, bem pesada, dando um toque Hard muito bem vindo à obra. Um dos momentos mais interessantes é a inserção do hino nacional norte americano – de maneira destorcida – na faixa, numa clara denúncia à postura imperialista e opressora do país. A melodia é executada de maneira obscura, preparando o terreno para “Lucifero (Politicanti)”. Aqui encontramos uma característica muito marcante no livro de Dante: a denúncia política.

“Conclusione” fecha o trabalho tristemente, com todo o peso das cenas terríveis vistas na excursão pelos vários círculos do inferno. Na obra literária, o poeta Virgílio, o guia de Dante pela jornada, o conduz também ao purgatório e, finalmente, ao paraíso, fato não ignorado pela banda que, décadas depois, em 2004, lançou o álbum “Paradiso” que, em completo contraste com a obra aqui resenhada, é repleta de melodias doces e momentos alegres. Mas isso é assunto para outra resenha.

Eu não poderia deixar de citar a sensacional capa do álbum, um brilhante retrato da depressão. Predominantemente azul, a capa retrata almas sem rosto sofrendo, absolutamente solitárias e desamparadas, na vastidão fria de sua morada eterna. Sem dúvidas não é uma pintura que você quereria em sua sala de estar...

* Adaptação em prosa para a língua portuguesa feita por Helder da Rocha, disponível no site http://stelle.com.br

A Barca do Sol - "Pirata"

2009-03-06T16:22:00.008-03:00

Hoje chega ao fim esse grandioso cruzeiro por toda a discografia d’A Barca do Sol, passando por mares agitados, calmarias, e paisagens intangíveis, vislumbrados apenas por meio de boa musica. O derradeiro álbum da banda, “Pirata”, é também o menos reconhecido de todos, não possuindo nem sequer uma versão em CD. Trata-se, porém, de um trabalho que faz jus ao restante da obra do grupo, cheio de momentos inspiradíssimos – como é de praxe quando o assunto é A Barca.

Já sem o violoncelo de Morelembaum, a banda apresenta uma razoável mudança de sonoridade no disco, talvez esse o fator responsável pela menor atenção dada a ele pelos admiradores do conjunto. Os ritmos brasileiros possuem maior evidência no álbum e, ao mesmo tempo, unem-se, em algumas composições, a estruturas e formas características do Progressivo, produzindo um resultado pra lá de satisfatório.

Exemplo dessa valorização à musica genuinamente nossa, “Vô Mimbora Pro Sertão” abre o disco de maneira regionalista, com vozes harmonizadas, letra simples, e percussão, com direito até a um solo de berimbau ao final da faixa.

O mesmo berimbau dá início a “Tereza Boca do Rio”, uma espécie de baião bem sóbrio, ao estilo d’A Barca. A bela faixa conta com simples e ótimos arranjos de voz, flauta, baixo, violões e percussão – além do já citado berimbau. Um momento bastante aconchegante e suave.

Emendada à canção anterior, “Mercado das Flores” mostra-se uma composição ainda melhor, repleta de variações rítmicas e instrumentais, ainda evidenciando a sonoridade brazuca, contendo, por exemplo, pitadas de samba – com direito à percussão caprichada – e musica mineira, numa amálgama muito coesa e de bom gosto. Destaque para os maravilhosos bandolins, que realmente fazem a diferença na faixa.

“Cavalo Marinho”, apesar de já ter sido lançada em “Corra o Risco”, supera tal versão devido à presença de duas vozes, em contraste com o vocal solitário de Olívia na primeira gravação. Os arranjos de violões são muito bem trabalhados, contendo um belo solo entre as partes cantadas. Outro motivo por que a versão de “Pirata” supera à de “Corra o Risco” é a menor repetição da letra.

A veia Prog do disco aparece pela primeira vez em “Jando”, mesclando arranjos abrasileirados a um Rock Progressivo extremamente competente e trabalhado. Os teclados são muito bem executados, assim como a bateria inquieta e quebrada. A banda foi muito feliz nessa mistura, criando, realmente, o “Prog à brasileira”, ao invés de simplesmente intercalar trechos de musica brasileira pura e, posteriormente, arranjos progressivos cheirando à Inglaterra.

Na seqüência, a emocionante “Jardim de Infância”, dispensando maiores detalhes devido a sua presença no já comentado álbum de estréia de Byington – apesar de aqui a canção parecer estar ainda mais deslumbrante.

Outro momento agradabilíssimo é “Desencontro” e sua bela melodia. Os arranjos discretos e requintados dão sabor emepebístico e jazzístico à obra.

A maravilhosa “Estrêla” merece grande destaque. Sua inspiradíssima melancolia agrada em cada mudança de acorde. Uma canção a ser bebida aos poucos, dotada daquela atmosfera intimista bem familiar aos fãs d’A Barca. A canção possui alguma coisa de Jazz, e um piano com dose extra de feeling. Muito bom!

Em contraste absoluto com qualquer outra composição da banda, “Manoel” já vem esculachando de cara, com seu sambinha tão malandro quanto o protagonista da canção. Muito divertida e descontraída, a faixa, apesar de ser um samba, contém uma bateria roqueira e solo de guitarra. O contrabaixo acústico também marca presença, assim como em diversas outras faixas do álbum.

“Rio Preto”, a exemplo de “Jando”, ostenta arranjos característicos do Progressivo mesclados à musica brasileira, sendo, porém, um pouco menos agressiva.

A instrumental “Canção Pra Ela” finaliza o disco de maneira comportada, não possuindo nenhuma característica muito marcante. Trata-se, contudo, de uma bela faixa.

E assim termina nossa saga musical, guiada por esse grupo de grande importância para a música nacional e de onde saíram renomados instrumentistas e compositores. Vale a pena comentar também a arte gráfica do disco, cujo autor é completamente desconhecido por mim. Trata-se, porém, de uma ilustração muito interessante, feita toda em escala de cinza, contendo um navio pirata, é claro, e diversos outros elementos condizentes à temática do álbum.

Olívia Byington - "Corra o Risco"

2009-02-28T01:23:00.011-03:00

Nessa última terça-feira, enquanto o samba opulento ensaiava suas últimas passadas de carnaval, estava eu num ônibus voltando de um acampamento, com os fones atochados nos ouvidos. Ao ver, pela janela do veículo, árvores, nuvens e morros, imagens formavam-se em minha cabeça, fomentadas por aquela musicalidade incrível vinda do meu mp3 player. O som em questão era o maravilhoso “Corra o Risco”, primeiro álbum solo de Olívia Byington, maravilhosamente acompanhada pela Barca do Sol – é claro.

A cantora, desde cedo elogiada pelos críticos, já vinha trabalhando com Jaques Morelembaum no grupo “Antena Coletiva”. Então, evidentemente, ninguém melhor que ele e seus comparsas para conduzi-la nesse grande trabalho do riquíssimo e nem sempre reconhecido acervo brasileiro. O disco, lançado em 1978, além das incríveis faixas inéditas – algumas delas re-aproveitadas no último e excelente álbum da Barca, “Pirata”, do ano posterior – traz releituras de grandes composições d’A Barca do Sol, completamente revestidas de novos arranjos e, algumas vezes, até superando as versões originais.

“Fantasma da Ópera” abre muito bem o álbum, com arranjos absolutamente novos, bem mais carregados que em sua primeira versão. Apesar do glissando inconveniente de Olivia – fenômeno isolado da faixa, que fique bem claro – a canção ganha aqui uma roupagem interessantíssima, com percussão corporal e, no final, vocalizações quase indígenas, o grande destaque da música, em minha opinião. Tudo se mistura em uma grande festa sonora, aciganada, bem ao estilo d’A Barca. Extremamente empolgante.

Em contraste com a faixa anterior, “Lady Jane” é apresentada de maneira suave e lúdica, em que Olívia mostra com grande êxito seus dotes vocais, embalada pelo instrumental doce e límpido de sua fabulosa banda de apoio. É interessante notar o uso de teclados na obra, praticamente inexistentes nos dois primeiros discos d’A Barca. A banda executa também belíssimos vocais.

A primeira faixa inédita do disco, a própria “Corra o Risco” é uma grata surpresa aos fãs da banda. Olívia executa a maravilhosa melodia da canção, acompanhada unicamente pelo violoncelo, a que são acrescentados, gradualmente, os outros instrumentos. Cada estrofe recebe ornamentos diferenciados, criando uma atmosfera muito forte e sinistra. Vale citar mais uma vez a competência do grupo na feitura de climas maravilhosos, fazendo o ouvinte imaginar paisagens que servem de pano de fundo às canções. Destaque para o arranjo de flautas executado do 01:11 ao 01:32, lembrando um pouco o Genle Giant. Logo após, um belíssimo trecho, mais enérgico, é executado, um Folk de primeiríssima categoria.

“Jardim de Infância” configura-se em uma das mais belas canções que já ouvi em toda a minha vida. E quem me conhece sabe o quão difícil é me ouvir soltar máximas desse tipo. O trecho final sempre me toca muito, constituído de uma melodia erudita simplesmente deslumbrante. O canto lírico de Olívia torna-se um instrumento indispensável na composição, tanto que foi re-utilizado na versão do “Pirata”. Sublime.

Outro momento delicioso é “Banda dos Corações Solitários”, uma alusão ao mais importante álbum da mais importante banda de toda a história do Rock. Inédida, a faixa possui grande beleza melódica e arranjos suaves, muito pertinentes.

A próxima faixa, “Cavalo Marinho”, possui a melhor letra de todo o repertório da Barca do Sol. Uma poesia tão bela quanto curta, apenas quatro versos inspiradíssimos. Musicalmente, a canção não deixa nada a desejar, construída basicamente por dois violões dedilhados, acrescidos, posteriormente, a outros instrumentos, como flauta, violoncelo e órgão.

A sensacional “Lobo do Mar”, outro destaque absoluto na obra, possui grande riqueza de andamentos e temas variados, apresentando, em seu início, um quê de Genesis. O contraponto entre momentos tranquilos e agressivos é muito bem construído e coeso.

Arte. Essa é minha definição à finíssima “Água e Vinho”, dotada de uma tristeza gelada e grande requinte. A brilhante performance de Olívia, adicionada ao violoncelo, órgão, flauta e violão, fazem nossa alma realmente mergulhar na dramaticidade da canção. Belíssima letra.

Uma das releituras mais diferentes da original certamente é “Brilho da Noite”, que continua selvagem, mas de maneira completamente distinta. Ao contrário da versão contida no álbum homônimo d’A Barca do Sol, essencialmente acústica, em “Corra o Risco” a faixa abunda em sons elétricos de guitarra e violino destorcidos, teclados, e um baixo mal-crido - no bom sentido, éclaro. O resultado é muito bom, apesar do “CAAAARROOOO” da Olívia irritar um pouco.

Outra amostra do talento da vocalista e sua extensão vocal é “Minha Pena, Minha Dor”, acompanhada por um belo arranjo para piano.

A sensacional faixa “Luz do Tango” espanca com violência a cara do ouvinte – sutil, não? – encerrando esse disco fora do comum. A melodia vocal começa com guitarras abstratas, colorida, depois, pelos outros instrumentos que surgem aos poucos. A canção vai subindo de tom a cada estrofe, sofrendo mudanças – hora bruscas, hora sutis – de instrumentação e arranjos. O resultado é sensacional e extremamente poderoso, fluido, contendo aquela mágica que faz as cabeças balançarem – em desespero, no caso das mães.

Grandioso. “Corra o Risco” deveria, realmente, ser reconhecido como um clássico absoluto do Rock/MPB. Trata-se do último álbum em que Morelembaum trabalha com a Barca, sendo que, em “Pirata”, a banda já não conta mais com seu reverenciado violoncelista.

Enquanto eu puder desfrutar de música de tamanha qualidade, originalidade e sensibilidade, meus introspectivos carnavais estarão garantidos. E que passem, longamente e por muitas vezes, as árvores, nuvens e morros pelas janelas do ônibus.

A Barca do Sol - "Durante o Verão"

2009-02-18T18:21:00.006-03:00

Aproveitando o embalo da resenha anterior, continuarei a escrever sobre este grande conjunto brasileiro que foi A Barca do Sol. Seguirei cronologicamente, tratando hoje de seu segundo e mais aclamado disco, “Durante o Verão”, lançado em 1976 pela gravadora Continental, e produzido por Egberto Gismonti. A banda, nesse trabalho, após uma mudança de formação, utilizou mais que nunca a guitarra elétrica, flertando um pouco mais com o Rock Progressivo inglês e produzindo um álbum finíssimo, digno de toda admiração a ele atribuída.

Ao som de gaivotas e ventania – mais litorâneo impossível – começa a faixa título, construída sobre a base tradicional das canções da Barca: flauta transversal, violões dedilhados, percussão e o violoncelo de Jacques. A diferença é que a faixa conta com um contrabaixo acústico, muito bem executado, por sinal.

“Hotel Colonial”, uma das grandes composições do álbum, é mais uma amostra da grande capacidade criativa da banda e sua facilidade em criar atmosferas sombrias e, digamos, “ameaçadoras”. A faixa tem início com um apito de navio, executado juntamente com o violoncelo, preparando a entrada para uma guitarra dedilhada e a melodia vocal. A faixa possui um belo trabalho vocal e instrumental, abundante em variações rítmicas e riqueza de texturas. Destaque para o riff executado após a menção do título na letra e para os arranjos de violões, guitarra e violoncelo.

Lenta e triste, “A Língua e a Bainha” vem como um bálsamo, envolvendo-nos com sua beleza melódica e harmônica. Trata-se de uma canção intimista, para se ouvir sozinho, saboreando cada nuance sonora.

“Os Pilares da Cultura”, a mais pesada do disco, caracteriza-se por guitarras destorcidas, bateria quebrada e uma letra muito interessante, um emaranhado de ditados, clichês, palavras de ordem e até frases publicitárias conhecidas no Brasil. Aqui, A Barca do Sol mostra sua face mais roqueira e se dá muito bem.

O disco segue com “Karen”, um retrato musical do cotidiano de uma mulher, cantarolando em sua casa, acompanhada pelos ruídos do rádio ligado, pássaros cantando, e um carro saindo da garagem. Ao cessar o canto da mulher, é a vez da banda executar a mesma melodia, utilizando apenas flauta e violão. A única faixa instrumental do LP.

Outro grande momento da obra, “Memorial Day” inicia-se com conversas e exclamações aleatórias – o ouvinte mais atento ouvirá, inclusive, um “Batman e Robin vem aí”. A canção é dotada de uma maravilhosa melodia, além de arranjos soberbos. A banda inclusive arrisca um cânone, lembrando o Gentle Giant, seguido de um trecho de Rock Progressivo classe A, com uma pegada bastante enérgica. Belíssima execução de todos os instrumentos.

A banda nos serve um verdadeiro “Banquete”, apetecendo e saciando a todo ouvinte ávido por um sabor proporcionado apenas por um disco de tamanho cacife. O violoncelo de Jacques, soberano, afirma definitivamente a faixa como uma das mais belas composições de todo o repertório do grupo.

“Belladona, Lady of the Rocks” possui um caráter meio latino, adicionando um tempero diferenciado ao disco. As guitarras destorcidas e percussão marcam presença mais uma vez.

O disco fecha com “Outros Carnavais”. Bem direta, a canção dispensa introdução, já começando com tudo. Aqui encontramos os ingredientes presentes na maioria das receitas da Barca, ou seja, instrumentação acústica e arranjos puxados para o Folk.

Como o caro leitor pode perceber, o segundo disco d’A Barca do Sol é um dos casos raros de 100% de aproveitamento, não possuindo uma só canção ruim. E o pior é que eu fui perceber o quão bom é o disco apenas essa semana! Vai entender...

A Barca do Sol - "A Barca do Sol"

2009-02-01T02:45:00.004-02:00

“Quanto ao nosso som, dizer que fazemos rock puro seria o mesmo que ouvir cinco russos dando uma de Originais do Samba. Ou um bando de japoneses tocando baião. Nós, como eles, não teríamos swing”. Essa definição, dada pela própria Barca do Sol, traduz muito do universo e da visão musical desse tão peculiar grupo formado no Rio de Janeiro, em 1973. E, de fato, o que esses nove caras fizeram não caberia tão facilmente em um só rótulo.

O disco resenhado hoje é o álbum de estréia da banda, lançado em 1974, e é, em minha opinião, o mais original e experimental de todos eles. Aliás, nada aqui é convencional: melodias estranhas, instrumentação intrigante, letras enigmáticas, e uma criatividade fora do comum. Ao contrário da maioria das bandas nacionais da época, A Barca do Sol não se preocupava em imitar o som da gringalhada, optando por uma música que os fizeram únicos.

Não é à toa que o grupo chamou tanto a atenção de Egberto Gismonti, um dos grandes monstros da música brasileira que, além de produzir o disco, ainda fez pequenas participações, tocando sintetizador em duas das faixas. Outras presenças marcantes são a do violoncelista Jaques Morelembaum, membro da banda durante seus dois primeiros álbuns, e a do flautista bretão Richard Court, mais conhecido como Ritchie – sim, aquele mesmo Ritchie de “Menina Veneno”, por mais estranho que possa parecer!

O disco começa com “A Primeira Batalha” que, apesar de sua letra um tanto inconsistente e repetitiva, possui melodia e instrumentação impecáveis. A canção difere-se bastante do restante do repertório do grupo, dominado por letras introspectivas e melodias sombrias. Os violões, as flautas, o violoncelo e a percussão dão à faixa um tom descontraído e cigano, com uma sonoridade folk muito gostosa e natural.

A próxima faixa, “Brilho da Noite”, é um grande destaque não só do álbum, mas de todo o repertório da Barca. Trata-se de uma música extremamente dramática e teatral, dando a sensação de que se está no meio do mato com animais selvagens e outras criaturas noturnas à espreita. Letra e arranjos sensacionais, afirmando o som agreste da faixa.

“Arremesso”, apesar de uma bela canção, é um tanto monótona. De qualquer forma, vale sua vaga no disco, possuindo bons arranjos e trechos inspirados. Destaque para o violoncelo de Jaques. Ainda no mesmo clima melancólico e intimista, segue-se “As Boas Consciências”, possuindo, também, delicados arranjos, todos de muito bom gosto.

Um tanto mais estranha que as duas canções anteriores, “Caminhão” apresenta uma sonoridade bastante tribal, com os arranjos caóticos e ousados, tão presentes na obra.

Ótima melodia e letra bem interessante são as principais características de “Lady Jane”, que emenda-se com “Dragão da Bondade”, outra faixa muito agradável. Apesar de momentos doces, a faixa possui uma instrumentação mais pesada em seu refrão, marcada pela flauta inquieta, violões batidos e o violoncelo marcante de Morelembaum. Seu único ponto negativo é um violinozinho indigesto, no finalzinho da faixa. Mas nada que a comprometa...

“Alaska” é outro destaque do disco. Sua melodia nada convencional e sua letra ainda mais peculiar chamam muito a atenção, e agradarão a qualquer ouvinte à procura de algo diferente. A faixa possui mudanças de tom e de ritmo, contribuindo ainda mais para sua riqueza e distinção.

O álbum segue com outro grande momento, “Fantasma da Ópera”. Já está ficando chato, mas eu tenho a obrigação de repetir mais uma vez que a banda foi extremamente feliz em seus arranjos, melodias e letra. A faixa tem início com uma vocalização muito interessante, lembrando grandes grupos brasileiros como, por exemplo, o MPB4.

“Corsário Satã”, a mais agressiva do disco, faz o ouvinte sentir-se, realmente, em um navio pirata. Trata-se de uma das grandes composições da carreira do grupo, extremamente imaginativa e expressiva. O melhor é que nem é preciso de um mapa do tesouro para se ter acesso a essa preciosidade.

A Barca do Sol chega finalmente ao porto com a faixa título, muito bela e delicada. É hora dos tripulantes descerem ao solo, já com certa nostalgia, para relembrarem os grandes momentos dessa viagem.

Resumo da ópera: eu não sei se posso chamar “A Barca do Sol” de um disco de Rock; também não sei se devo chamá-lo de um álbum de MPB, ou seja lá o que diabos for. Só posso afirmar uma coisa: trata-se de ótima música. E é só isso o que interessa.

John Lee Hooker - "Chill Out"

2009-01-17T02:19:00.003-02:00

Sob o sol escaldante no céu, às batidas de milhares de arados no solo, nos campos de algodão e tabaco regados pelo suor dos escravos norte-americanos, podia-se ouvir um clamor, um grito de angústia. Vindo de cada boca negra, e resultado de desumana opressão, um canto triste e sem perspectivas ecoava; canto este que os fazia lembrar de sua mãe África, de sua terra deixada há muitos anos, há muitas milhas de água salgada.

Tal canto, ao longo dos anos, sofreu mudanças e adaptações, gerando um estilo de crucial importância à musicalidade ocidental do séc. XX até os dias atuais: o Blues.

Às margens do rio Mississipi surgiram os primeiros grandes nomes do gênero; logo em seguida, o Blues atingiu Chicago, influenciando, na década de 40, os pioneiros do Rock americano, e sendo, na década de 60, resgatado pelas grandes bandas britânicas, como os Stones e os Beatles.

Entre os principais nomes do estilo, como os veteranos Robert Johnson, Muddy Waters e BB King, está o artista de cujo disco falarei na resenha de hoje: John Lee Hooker. O álbum em questão é “Chill Out”, lançado já na década de 90 – mais precisamente em 1995 – quando o artista já possuía longos anos de carreira e experiência, gozando de enorme respeito por parte dos entusiastas da música negra norte-americana.

Apesar de não tratar-se de um registro antigo, “Chill Out” conserva o verdadeiro espírito do Blues, tendo em cada nota batida em seu violão as cicatrizes e a melancolia características do estilo. Por mais que, na maioria das vezes, as letras não serem pessimistas – fato nada anormal ao estilo que, afinal de contas, não é feito só de amarguras – há predominância de uma sonoridade bastante taciturna e até mesmo monótona, o que, em minha opinião, é um ponto pra lá de positivo.

O disco tem inicio com “Chill Out (Things Gonna Change)”, contando com a guitarra caliente de Santana. A faixa possui uma sonoridade impar no trabalho, com a forte veia latina trazida pelo guitarrista convidado. Os instrumentos de percussão adicionam ainda mais ênfase a esse tempero. Com todo o respeito a Santana e sua importância para a musica em âmbito mundial, esta talvez seja a faixa que menos me agrada em todo o disco, sendo sua faixa mais comercial.

Para mim a diversão começa realmente com a segunda faixa, “Deep Blue Sea” – se é que a faixa possui algo de divertido… Trata-se daquele Bluesão bem a la Hooker, escrita e executada pelo músico. São só John, seu violão de cordas de aço e seu pé, batendo o ritmo, solitário, insistente, no piso do estúdio, proporcionando ao ouvinte um momento bem intimista, como se estivéssemos sentados em um quarto de um casebre em Nova Orleans, observando a chuva pela janela e ouvindo os acordes martelados no violão.

O álbum tem continuidade com “Kiddio” e sua levada gostosa e um tanto mais alegre. A faixa possui bem mais instrumentação que a anterior, contando com um pianinho arisco, executado brilhantemente por Charles Brown; guitarra discreta; um baixo ainda mais discreto; e aquela bateria malandra, ali, como se não quisesse nada com nada.

Outro momento intenso é o medley “Serves Me Right to Suffer/Syndicator”, levando qualquer fã do bom e velho Slow Blues às alturas. A faixa conta com a participação especialíssima de Van Morrison nos vocais e guitarra, demonstrando grande feeling em cada nota executada. O órgão de Booker T. Jones também marca presença, dando à faixa o acabamento merecido.

“One Bourbon, One Scotch, One Beer” trata de um assunto bem decorrente no Blues: a manguaça. Haja fígado! A faixa é um Blues pra cima, bem descontraído – não me chamando muita atenção, pra ser sincero. O ouvinte mais atento perceberá que John Lee, até aquí, não executou dois tipos iguais de Blues, fazendo um passeio por várias variáveis do estilo.

Apartir de agora, a fossa reina soberana no trabalho – ao menos no que diz respeito à musicalidade. “Tupelo”, lembrando a segunda faixa do disco, conta apenas com Hooker, repetindo um riff melancólico em seu violão.

O mesmo clima de profunda melancolia está presente em “Woman On My Mind”. O ouvinte não familiarizado com essa sonoridade, ou se a musica monótona não for mesmo do gosto do freguês, achará tudo isso um porre, abrindo o aparelho de som e enterrando o disco em uma caixa a sete palmos abaixo da terra. Bom, sempre há de haver um camarada que, assim como eu, fechará os olhos e sentirá toda a emoção transmitida pelo músico.

“Annie Mae”, ainda de um fel absoluto, possui acompanhamento de uma bateria lenta, piano expressivo e os solussos rápidos e grosseiros da guitarra característica de John Lee Hooker. Mais uma vez Charlie Brown dá um show à parte no piano. É interessante observar a constante repetição de palavras de John, uma de suas marcas registradas – especialmente quando se trata da palavra “you”.

A próxima faixa, “Too Young”, é um tanto estranha e bastante sentida. Aquí o disco chega ao auge da monotonia, sendo um pouco parada demais até mesmo para mim.
“Talkin’ The Blues” e “If You Never Been in Love” apresentam a mesma forma de Blues, com John se lamentando ao violão.

Confesso que após três músicas seguidas com esse rítmo de lesma o álbum fica um pouco cansativo, mas a última faixa vem salvar o dia: “We’ll Meet Again”, um Slow Blues muito gostoso, fechando o disco com chave de ouro. Bruce Kaphan faz um belo trabalho guitarrístico, diferenciando-se totalmente do estilo de Hooker.

Para a maioria dos ouvintes, o álbum pode ser adjetivado com uma só palavra: chato. Mas para quem quer passar a madrugada sozinho, deitado no quarto, feeling the Blues ao som da chuva, a satisfação é garantida. Bom, não sei se garantida, mas pra mim funciona bem…

Genesis - "Trespass"

2009-01-09T21:56:00.004-02:00

Imagine um mundo frio e belo, estático, sombrio, ladeado de montanhas brancas, vistas de uma janela de um palácio azul em que um rei e sua rainha observam a graça de uma paisagem bucólica e deserta. A chave para esse palácio imponente e pálido está nas mãos de uma das grandes bandas surgidas no finalzinho dos anos 60: o Genesis.

Após o lançamento do ignorado “From Genesis to Revelation” em 1969, a banda retornou de cabeça erguida com “Trespass”, entrando de uma vez por todas para a realeza do Rock Progressivo. O disco, ainda não contando com a presença de Phil Collins nem mesmo na bateria, já possui as fortes características que tornariam a banda uma das mais veneradas do gênero. É notável a maturidade do disco, lançado ainda no ano de 1970, quando a maioria das grandes bandas progressivas ainda engatinhavam. Talvez apenas o King Crimson, um dos pioneiros absolutos do estilo, gozava de tamanha naturalidade na produção do Prog naquele ano ainda embrionário.

A capa, criação de Paul Whitehead, pinta o disco com um azul triste, reforçando sua musicalidade vespertina e crepuscular. Trata-se de uma obra a ser apreciada de maneira solitária, no silencio, para se poder absorver cada segundo de tamanha nobreza sonora. “Trespass” possui momentos de tirar o fôlego, tocando o intimo do bem-aventurado ouvinte. É interessante notar na capa, já descrita no primeiro parágrafo, uma referencia visual para cada faixa do álbum, como, por exemplo, um anjinho “semi-barroco” para “Visions of Angels” e uma grande faca para “The Knife”.

“Looking for Someone” começa com a voz expressiva do grande líder do grupo, Peter Gabriel, com sua grande facilidade em criar atmosferas imaginativas e letras teatrais – teatralidade esta que se tornou marca registrada da banda, fazendo com que as performances do vocalista no palco se tornassem um espetáculo aparte. A faixa é abundante em belas melodias e arranjos espetaculares. Nobres, como já disse antes. Outra característica da canção é a alternância entre trechos delicados e outros mais agressivos.

O disco continua com a melancólica “White Mountain”, possuindo algumas passagens maravilhosas que se repetem após cada parte mais enérgica. Tais trechos, apesar de inseridos na canção que considero a menos interessante do trabalho, são alguns dos momentos mais belos e intimistas da obra, passando sensações de leveza e candura absolutamente aconchegantes.

Outro belo momento do disco é “Vision of Angels”, apresentando a melancolia presente em toda a obra, além dos belos arranjos e inspiradas melodias. Talvez seja essa a faixa em que o baterista John Mayhew tenha mais destaque, com suas poderosas e empolgadas viradas, dando ainda mais força aos acordes executados pela banda.

É no lado B, porém, em que se encontram as mais belas composições do disco. A primeira delas, “Stagnation”, e uma das obras-primas absolutas de toda a carreira do Genesis, em minha opinião. É uma daquelas canções que nos elevam a um estado de êxtase profundo, abundante em momentos impressionantemente belos. Faltam-me palavras para descrever esta que é a grande atração do álbum. O sintetizador de Anthony Banks nos leva à loucura, assim como os violões dedilhados de Banks, Philips e Rutherford. Fora do comum.

A segunda, “Dusk”, é sublime. A faixa mais simples do álbum possui um poder de acalanto absoluto. É como ter uma visão antecipada do paraíso. Devido à incompetência das palavras ao tentar descrever tal beleza, caminharei para a faixa final.

“The Knife” apresenta agressividade inédita no trabalho, possuindo, mesmo que de maneira violenta, a elegância tão característica do álbum. A música soa como uma revolução, um atentado ao quieto palácio em tal país imune ao tempo. A faixa possui também momentos mais calmos em que a flauta de Gabriel dá o ar de sua graça. Um grito infantil de desespero em meio a outras vozes inquietas é sinistro, aumentando a voracidade sonora da peça.

“Trespass” mostra-se um trabalho austero, merecendo atenção absoluta por parte do ouvinte. Trata-se de uma daquelas raras oportunidades de ser um membro da realeza, mesmo que por apenas um pouco mais de 40 minutos.

2009-01-09T00:24:00.001-02:00

Desculpem pela demora, caros blognautas. O velho João saiu de férias, mas já está de volta. Atualizarei o blog o mais depressa possível.
Até mais!

Mutantes - "Tudo Foi Feito Pelo Sol"

2008-12-31T04:34:00.003-02:00

Quando pintaram os anos 70, todo mundo pirou ao som do novo tipo de Rock produzido na Europa, mais tarde batizado Rock Progressivo. Yes, Pink Floyd, Genesis, Jethro Tull e King Crimson eram alguns dos nomes da vez, venerados pela geração pós-psicodélica. Como não poderia deixar de ser, a febre também bateu forte aqui, em terras verde-amarelas, influenciando uma boa leva de bandas que, agora, se ligavam ao som do moog.

Um obstáculo, porém, com que nosso esfarrapado Brasil se deparou ao enveredar-se pelos caminhos tortuosos de tal estilo, foi a falta de tecnologia necessária à feitura desse sofisticado e intrigante som. A única saída para as bandas brazucas era garimpar no estrangeiro, em busca dos tão caros equipamentos adequados. E talvez nenhuma banda tenha ostentado um equipamento tão invejável quanto o dos veteranos roqueiros paulistas dos Mutantes.

Em 1974, quando os Mutantes já eram praticamente propriedade do Sr. Sérgio Dias, tendo passado por diversas mudanças de formação ao longo dos anos e dos discos, o guitarrista, juntamente com a banda, formada por Túlio Mourão, nos teclados; A. Pedro de Medeiros, no baixo; e Rui Motta na batera; resolveu lançar um dos álbuns ícones do Progressivo tupiniquim: “Tudo Foi Feito Pelo Sol”.

Apesar de, em alguns trechos, não ser a originalidade o ponto forte do trabalho, o álbum possui momentos simplesmente fantásticos, realmente dignos de toda sua fama e admiração. Os Mutantes tinham o dom de criar universos altamente imaginativos, garantindo ao ouvinte uma passagem de ida à lua – ou qualquer outro satélite ou planeta desconhecido pela astronomia. A viagem já começa com a capa do trabalho, cujo autor não é creditado no encarte – pelo menos não na edição que possuo.

O disco tem início com “Deixe Entrar Um Pouco D’Água No Quintal”, talvez a mais Prog do disco. Sua introdução, um pouco forçada a meu ver, me parece uma tentativa de soar o mais parecido possível com uma banda inglesa. A parte cantada, porém, vem com força total, dotada de sua levada malandra e suingada e um instrumental maravilhoso, executado por uma banda realmente afiada. A sonzera é quebrada por uma parte simplesmente deliciosa, com as guitarras de Sérgio marcando presença. Ao longo da canção há, novamente, o contraponto entre a pegada mais enérgica e as passagens mais suaves, contando com os solos com pedal de delay e arranjos carimbados do contexto Progressivo. Ótima faixa!

A sensacional “Pitágoras” dá continuidade à obra, ao som do teclado magnífico de Mourão. Seu riff super viajante é irresistível, acrescido, posteriormente, dos outros instrumentos do conjunto, um por vez, com melodias sensacionais, até desembocar em uma massa sonora arrepiante. Após essa maravilha, Sérgio demonstra, mais uma vez, seu talento com as cordas, em uma passagem acústica maravilhosamente bem feita. Uma pérola!

Outro momento delicioso é “Desanuviar”. Aqui a banda despeja toda sua veia zen na obra, produzindo uma peça extremamente relaxante e letárgica. Após um trecho mais conturbado, em que a banda vai intensificando o som em uma sucessão de acordes ascendentes, a calmaria retorna com aquele tão amado som do sintetizador, executado por Túlio. A faixa termina ao som de cítaras indianas – nada mais apropriado, não é mesmo?

Após essa sessão de três grandes composições, a banda nos traz a mais embalada “Eu Só Penso Em Te Ajudar”, com bons trechos de piano ao estilo boogie-woogie. A canção possui bons arranjos, com mudanças de andamento e quebras de ritmo, bem Progressiva.

“Cidadão da Terra” possui tecladeira bastante chupada de bandas estrangeiras, lembrando bastante o som de grandes bandas Inglesas. A canção, ainda que de sonoridade um tanto importada, possui o toque viajante dos Mutantes, mantendo a coesão em relação ao restante do álbum.

“O Contrário de Nada É Nada”, um Rock n’ Roll bem simples e descontraído, não possuindo nem 3 minutos de duração. Dispensa maiores comentários.

O disco termina com a faixa título, dotada de uma excelente introdução. A parte cantada, não tão boa quanto o início da canção, ainda consegue agradar, não passando, porém, de razoável. A obra finaliza-se com uma parte instrumental um pouco arrastada, mas bem executada.

Como os caros leitores puderam perceber, as 3 primeiras faixas do álbum são bem superiores às demais, embora nenhuma das outras faça feio. De qualquer maneira, é um trabalho que vale muito a pena – se você sente alguma simpatia pela sonoridade Progressiva, é claro. Todos os integrantes da banda mostram-se extremamente competentes, cada um desempenhando um importante papel para o êxito da obra.

Vale lembrar que foi lançada recentemente uma nova versão do CD, em formato digipack, contendo três bonus-tracks de encher os ouvidos: “Cavaleiros Negros”, apetitosa em todos os seus 8 minutos e 36 segundos; “Tudo Bem”, outra belíssima faixa; e “Balada do Amigo”. Altamente recomendado!

No mais, boa viajem!

David Gilmour - "On an Island"

2008-12-29T00:31:00.003-02:00

Ainda bem que nem tudo que é bom dura pouco. Se tal máxima fosse verdadeira, não teríamos na ativa, mesmo depois de velhos, grandes bandas e personalidades do mundo do Rock. Em alguns casos, a idade parece não chegar nunca, a exemplo dos Rolling Stones, banda que, debaixo de puros pele e osso, ainda é conservada uma vitalidade invejável e inédita. Em outros casos, há um amadurecimento bastante proveitoso – e não me refiro ao “amadurecimento” que, na verdade, traduz-se como “tornar-se insosso”, como é decorrente em bandas que já carregam mais de 30 anos de estrada nas costas.

É de um caso desse tipo, de “amadurecimento positivo”, que trata a resenha de hoje. David Gilmour, ex-guitarrista do Pink Floyd, e um dos mais importantes e originais em seu instrumento, após adquirir muitas rugas e uma invejável pança, deu as caras novamente em 2006 com uma grata surpresa: seu terceiro álbum solo, “On an Island”.

É evidente que eu não quero dizer aqui que o velho Gilmour superou sua obra produzida juntamente com o Floyd, pois seria um sacrilégio. O que aqueles garotos de Cambridge produziram na década de 70 é inigualável. Posso afirmar, contudo, que, dos três álbuns de estúdio em que o guitar-hero do feeling se aventurou em produzir, esse é o mais consistente. Quem ama os solos épicos de Gilmour – todo fã de Rock setentista – não poderá resistir aos aqui executados. Sim, o velho enrugado e barrigudo ainda está em plena forma.

O disco começa bem com a atmosférica e retalhada “Castellorizon”, antecipando um pouquinho de cada faixa que está por vir. Após essa confusão de diferentes sonoridades sobrepostas e remendadas, Mr. Dave coloca seus dedos e sua guitarra para funcionar – sem mencionar a pedaleira, sempre presente ao longo da obra.

A faixa serve de prelúdio para o carro-chefe do disco, a própria “On an Island”, contando com a participação especialíssima de David Crosby e Graham Nash nos vocais de apoio. Trata-se de uma belíssima canção, certamente uma das melhores do disco. Como era de se esperar, a música contém um grande solo de guitarra daqueles que só David Gilmour poderia criar.

“The Blue”, suave e fluida, é um verdadeiro mergulho em calmas águas, tanto no campo musical quanto no lírico. Aliás, o disco todo possui uma sonoridade meio “aquática” – e isso não é mais um de meus devaneios, mas uma consideração do próprio autor – o que vai bem a calhar tanto com o título do álbum quanto com a arte gráfica. Um resultado belíssimo é conseguido no DVD ao vivo no Royal Albert Hall, em que “The Blue” é combinada com os efeitos visuais tão utilizados por Gilmour desde seus tempos de Pink Floyd.

A faixa seguinte, “Take a Breath”, a mais agressiva de toda a obra, possui algo de Syd Barrett, apezar de conter, também, a sonoridade do Floyd “Era Gilmour”. A cancão destaca-se na obra – mesmo porque quebra a placidez predominante no trabalho – e possui um efeito um tanto hipinotizante.

E quem foi que disse que David Gilmour são só instrumentos de cordas? “Red Sky at Night”, obra instrumental que poderia perfeitamente estar contida no álbum “The Division Bell”, nos apresenta o velho arriscando um sax – pra quê mexer com Dick Perry??, hehehe.

“This Heaven”, com forte influência de música negra americana, é outra canção de destaque, possuindo sonoridade mais rústica e um clima bastante descontraído.

Quem mete o bico no disco dessa vez, em “Then I Close My Eyes”, é Robert Wyatt, um dos nomes máximos do sub-gênero Progressivo conhecido como Canterbury Scene, e integrante fundador do Soft Machine. Wyatt faz sua participação tocando trompete, no bom estilo “Army of Salvation”, como brincou o próprio músico.

“Smile” é mais uma belíssima canção, composta por Gilmour em parceria com sua esposa, Polly Samson, como a maioria das musicas do disco. Bela melodia e instrumentação intimista são as principais marcas da canção, além da voz soprano de Polly.

A próxima faixa, “A Pocketful of Stones”, bela, solitária e misteriosa, me parece uma homenagem a Syd Barrett, membro fundador e ex-lider do Pink Floyd, vítima de seu exagero com as drogas, principalmente o ácido. Syd, ainda jovem, ficou esquizofrênico, recuperando-se, porém, ao longo de sua vida de reclusão. Infelizmente, o músico veio a falecer em 2007.

O disco termina com a canção de maior beleza melódica de toda a obra, “Where We Start”, uma das minhas favoritas. Momento realmente inspirado, simples e verdadeiro, possuindo uma delicadeza e um charme encantadores.

É necessário ressaltar a participação de Richard Wright, ex-tecladista do Floyd, em várias das faixas do disco. Richard faleceu este ano, vítima de um câncer com o qual vinha lutando há algum tempo. Outra grande perda para os fãs do Pink Floyd, como eu.

“On an Island”, um álbum bastante comportado, como era de se esperar, não agradará ouvintes ávidos por maiores audácias sonoras; será um prato cheio, porém, a qualquer pessoa a procura de uma sombra de árvore, vista para o mar, gaivotas no céu, e, principalmente, sossego. Eu aceito a passagem de bom grado.

Premiata Forneria Marconi - "Storia di Un Minuto"

2008-12-28T00:42:00.003-02:00

Pra quem tem a Itália somente como a terra da pizza, eis aqui uma novidade: há muito mais coisas vindas de dentro daqueles fornos do que se imagina. Iguarias ímpares, que exigem um paladar refinado e degustação minuciosa. Quem aprecia isso tudo tem que conferir os pratos dos “chefs” do Premiata Forneria Marconi, em especial, a receita que enche de saliva a boca de qualquer amante da cozinha italiana, “Storia di Um Minuto”.

Deixando de lado as alegorias culinárias, meu intento de hoje é compartilhar com vocês, amigos internautas, essa maravilha, trazida a nós diretamente de Milão, Itália. Trata-se, realmente, de um dos baluartes do Rock Progressivo do país e do mundo – sim, a Itália foi um grande celeiro do movimento na década de 70 – sendo extremamente respeitada e admirada.

O disco, lançado em – adivinha? – 1972, possui delicadeza melódica e harmônica raramente apresentadas por bandas vindas daquelas bandas – com o perdão do trocadilho – e beleza encantadora, além dos arranjos requintadíssimos e de extremo bom gosto.

“Introduzione” já dá, nos seus 01min10seg de duração, uma amostra do que está por vir. Apesar de ser uma faixa introdutória de tão curto fôlego, trata-se de um belo momento do álbum, apresentando dinâmica e variação rítmica.

Reverenciada e aplaudida de pé por todo fã que se preze, “Impressioni di Settembre” é um dos clássicos absolutos do conjunto, ocupando, sem sombra de dúvidas, posição de grande destaque na obra. Possui melodia e arranjos delicados e belos, com os vocais singelos de Franco Mussida, até explodir em seu riff de sintetizadores tão conhecido e aclamado. Tal riff, o ponto central da canção, é de uma força extraordinária, ao mesmo tempo doce e raivoso.

Após o término de tão emblemática peça, é hora de dançar ao som da tarantella roqueira “É Festa”, outro clássico obrigatório em qualquer show do Premiata. A faixa é simplesmente – se é que eu posso usar a palavra “simples” quando se trata desse álbum – uma síntese do espírito italiano contido no Prog Rock produzido nesse fértil país. Grande obra, realmente, abundante em quebra de ritmos e melodias animadas, que causarão uma inquietação em suas pernas! Tudo revestido, claro, pelos arranjos excepcionais e a qualidade técnica de cada um dos integrantes da banda.

Depois de tanto quebra-pau, “Dove... Quando... (Parte I)” chega, de mansinho, envolvendo-nos com sua delicadeza e encanto irresistíveis. Sua melodia, violões e flautas, etéreos, transportam-nos diretamente a um vale escuro e incrivelmente belo e acolhedor, oferecendo-nos repouso.

Bem mais agressiva e erudita, “Dove... Quando... (Parte II)”, possui um soberbo trecho tocado ao piano, posteriormente acompanhado por uma banda furiosa e afiadíssima, cheia de sincronias muito bem executadas. A canção transforma-se em um plácido momento executado por um suposto violoncelo, emulado pelos belos sintetizadores que se faziam antigamente. Após esse momento de placidez, somos convidados a apreciar uma passagem bastante jazzística, em que a flauta de Mauro Pagani brinca com os teclados de Flavio Premoli.

Interrompe-se tudo para dar passagem a “La Carrozza di Hans”, outro momento chave da obra. É tão grande o número de clássicos no álbum que o mesmo mais parece uma compilação. Mas é claro que uma coletânea não possuiria tamanha coesão, presente apenas em um álbum tão bem estruturado, formando uma obra realmente equilibrada, em que tudo faz sentido. Merece destaque o violino de Pagani, além do desempenho fenomenal de todo o conjunto, executando complexas sincronias entre todos os instrumentos. É muito interessante observar a habilidade da banda ao reproduzir tais malabarismos sonoros no palco, apresentando um trabalho impecável (conferir o “PFM Live in Japan 2005”, cujo vídeo está disponível em sites como YouTube e Google Video).

Fechando tudo, “Grazie Davvero” dá os agradecimentos finais com sua suave melodia inicial, que explode com um impactante riff – bastante circense, a meu ver – em que a banda utiliza-se de metais. A música segue como um espetáculo de picadeiro, de maneira bem pomposa, voltando, posteriormente, à melodia inicial, a que se juntam os vigorosos metais.

Assim termina essa história de vários minutos sensacionais e inspirados, dignos de uma atenção muito especial e, em conseqüência, grande admiração. Se o Rock, aqui, não pode adquirir o status de arte, então eu não sei o que pode. E tenho dito.

Status Quo - "Quo"

2008-12-20T21:28:00.004-02:00

Resenha especialmente escrita por Haig Berberian.

Cabelo, jeans, e heavy blues. Esse é o trinômio que define o grupo de rock inglês Status Quo. A banda, que começou nos anos 60 tocando pop psicodélico – aquele típico da segunda metade de tal década – se revoltou contra essa sonoridade e as imposições da gravadora, partindo para o rockão seco e baseado no blues que a consagrou. E então, devidamente cabeludos e enjaquetados, lançaram alguns discos clássicos muito admirados pelos dinossauros do rock mundo afora.

É um disco esquecido, porém, o alvo da minha resenha de hoje. Não sei se devo me referir a ele como esquecido ou como subestimado, na verdade. E nem sei se minha admiração por ele dá-se mais por uma nostalgia muito pessoal que pela qualidade do álbum em si. Trata-se, enfim, do “Quo”, de 1974.

Conheci o LP no comecinho da minha pré-adolescência, no saudoso ano 2000, se não me engano. Aconteceu que, quando meus avós resolveram mandar o toca discos pro conserto, a família se reuniu para tirar a poeira dos antigos bolachões, relembrando a infância ainda contida naqueles sulcos furados. Entre célebres discos do Carequinha, Arca de Noé, e afins, encontrava-se uma peça um tanto diferenciada: um álbum que trazia em sua capa uma árvore psicodélica, cujo tronco dava origem às cabeças de quatro sujeitos cabeludos. As raízes da árvore formavam, em uma tonalidade cinzenta, a palavra “QUO”, assim, em letras maiúsculas. “Esse é pauleira”, comentou meu tio, atiçando, é claro minha curiosidade. O riff introdutório não me soou pauleira o bastante e, após alguns minutos, passamos para o próximo disco.

Foi na manhã seguinte, porém, que recolocando a agulha sobre o castigado vinil, aquele som me bateu forte aos ouvidos, e eu sucumbi, profundamente, ao som das terças e quintas daqueles acordes de rock n` roll. Aquele som me preencheu e me satisfez de forma espetacular. Foi um daqueles momentos em que se redescobre o rock. “É isso que eu vou tocar quando eu tiver uma banda”, pensei. E fui pra casa, obstinado em comprar aquele álbum em CD, tarefa que só consegui cumprir em 2007, na Galeria do Rock – e com muito suor.

O “Quo” é, na verdade, resultado de um período conturbado na história da banda, em que o baixista Alan Lancaster e o guitarrista Rick Parfitt confrontaram os principais compositores da turma, Francis Rossi e Bob Young, tomando, então, as rédeas do novo álbum e compondo 5 das 8 faixas contidas no mesmo, sendo que uma das 8, “Break the Rules”, é uma composição de todos os membros da banda. Tal mudança permitiu um novo sabor à sonoridade do conjunto, resultando em um fantástico disco de honesto rock n`roll. Essa mudança talvez seja o motivo da indiferença da maioria dos admiradores do Status Quo em relação ao disco. Por outro lado, é essa sonoridade que me laçou irremediavelmente quase uma década atrás.

O disco começa com a sensacional “Backwater”, talvez minha preferida de todo o repertório do grupo, e seu especialíssimo riff de abertura, desembocando nos velhos e tão conhecidos acordes de rock. A bateria e o baixo martelam forte, aumentando a potencia e a virilidade sonora do trecho. Sem pedir licença, uma passagem plácida e reconfortante é executada, ganhando força e volume até explodir, novamente, em um rock n` roll enérgico. Os vocais encaixam-se perfeitamente ao restante da obra, coroando esse espetacular e delicioso som.

“Just Take Me” emenda-se na faixa anterior, abrindo com uma sessão de percussão muito gostosa. A música possui melodia agressiva e um solo de guitarra sensacional, acompanhado apenas pela percussão e, depois, por uma guitarra base muito ritmada e picada. Que espetáculo!

A próxima canção, “Break the Rules”, transporta-nos a uma espelunca em um lugar qualquer na Inglaterra. A faixa é pura fanfarronice, com aquele pianinho que sempre vai muito bem, obrigado, quando o assunto é rock n` roll, sem falar da gaita, que arremata toda a farra sonora.

“Drifting Away” e seu riff infernal fecham em grande estilo o lado A do LP. Os vocais, mais uma vez, são sensacionais.

Vire o disco e prepare-se, pois este guarda uma agradabilíssima surpresa logo de início: a visceral “Don`t Think It Matters”. Mais um espetacular riff de guitarra para a coleção do álbum. Tal riff caberia perfeitamente em qualquer disco do Sabbath ou qualquer grande banda de hard rock – quase heavy metal – da década de 70. Eu realmente não entendo como uma música assim pode ser negligenciada pelos fãs da banda... que lástima. De qualquer maneira, uma faixa que consegue se destacar num álbum de tanta qualidade só pode ser uma baita musica.

“Fine, Fine, Fine”, a mais fraca do disco, ironicamente é uma das únicas feitas pelos compositores veteranos da banda, Rossi e Young.

Que pérola é “Lonely Man”! A única balada do álbum possui enorme força e beleza, tendo como base um delicioso violão, acompanhado, mais adiante, pelos outros instrumentos. A musica possui bela melodia e um solo de guitarra poderoso. Outro ponto de destaque da obra!

O disco termina com outra composição da dupla Rossi e Young, “Slow Train”, a mais longa do álbum, com 7 minutos e 54 segundos de duração. A faixa, como era de se esperar, tem mais a ver com a sonoridade usual do Status Quo – digo, a sonoridade da banda fora desse disco peculiar – com um rock ainda mais vintage. Com todo o respeito aos dois músicos, que já tomaram frente de fabulosos álbuns, como o bem mais aclamado “Piledriver”, “Slow Train” também não está entre minhas favoritas do disco. É, ainda sim, um rock responsa e de qualidade.

E a capa... Pô, esta fala por si só!!!

Titãs - "Acústico MTV"

2008-12-19T19:04:00.003-02:00

Hoje eu resolvi valorizar o produto nacional. Nada de bandas gringas setentistas, mas sim, um grupo brazuca que gravou, já na segunda metade da década de 90, um dos álbuns mais importantes e representativos da minha vida: os Titãs. O álbum é o Acústico MTV. Já vou avisando aos amados leitores que esta resenha trará consigo alto grau de romantismo e pessoalidade, mas, podem ter certeza, muita honestidade também.

Em minha opinião, a série Acústico MTV, uma verdadeira máquina de hits e grana, nunca produziu uma obra de tamanha qualidade e distinção – isto é, em âmbito nacional. Eu me lembro de sempre dizer: “nem os Engenheiros do Hawaii fariam um acústico tão bom”. Dito e feito. Ao contrário do popzinho 4/4 do acústico da banda gaúcha, os Titãs realmente produziram algo fino, acompanhados por uma equipe de peso, contando com arranjos fabulosos e produção esmerada. Aliás, com Marcelo Martins, Jacques Morelembaum – ex-A Barca do Sol – e Liminha – ex-Mutantes – por trás dos arranjos é covardia, né?!

O show causou grande curiosidade entre os fãs e os diversos músicos e outros artistas brasileiros. Afinal, os Titãs eram sinônimo de barulho e irreverência, sendo difícil imagina-los em banquinhos de madeira, dedilhando violões. Aliás, “violões” não era uma palavra nada comum no vocabulário da banda, que sempre teve preferência pelas guitarras destorcidas.

Como o disco possui 22 faixas, não discorrerei longamente sobre os detalhes de cada canção, dando apenas uma visão panorâmica do disco. É claro que as melhores canções merecem maior destaque.

O disco começa muito bem com “Comida”, revestida com um arranjo que, a meu ver, foi puxado do Ray Charles. Fito Paez faz sua contribuição em “Go Back”, outro excelente momento do álbum. Em canções como “Os Cegos do Castelo”; “Nem 5 Minutos Guardados”, uma das mais belas do set list; “Flores”, com participação de Marisa Monte; “Palavras”; “A Melhor Forma”; e “Não Vou Lutar”, a mini-orquestra adiciona às belas melodias um requinte simplesmente irresistível. O bom gosto e a delicadeza dos arranjos de metais, madeiras e, principalmente, cordas, são de arrepiar. São grandes o prazer e a nostalgia que sinto ao escutar tais canções, que foram trilha sonora de uma maravilhosa fase da minha vida.

Merecem menção também a mórbida “O Pulso”, com os vocais do titã desertor Arnaldo Antunes; a descontraída “Família”; “Marvin” e toda sua melancolia; e “Televisão”, um divertidíssimo Blues em que Rita Lee acompanha os marmanjos.

Nem tudo, porém, são flores. Com todo o respeito a Jimmy Cliff, “Querem Meu Sangue” não me é muito agradável aos ouvidos, assim como “Homem Primata” – talvez devido à minha implicância com o Ska. Esses tropeços – digo, tropeços na minha humilde opinião, é claro – não comprometem em nada o álbum, que contém infinitamente mais pontos positivos que negativos.

Como é de praxe, aqui vão minhas considerações sobre o visual do disco. Os tons de marrom dão um caráter rústico de muito bom gosto ao álbum, provocando uma sensação gostosa. Eu, particularmente, sou fã de cores escuras e frias, presentes tanto no encarte do CD quanto no cenário do show. E que cenário! Teatralidade e drama estão contidos nos prédios e nuvens colocados ao fundo do palco, dando o clima sob medida ao espetáculo. Aliás, tudo aqui foi feito na medida certa. A MTV, dessa vez, acertou na mosca... E os Titãs também, é claro!

Yes - "Close to the Edge"

2008-12-18T03:56:00.003-02:00

Assim como Machado de Assis está para o Realismo; Picasso, para o Cubismo; Bach, para o Barroco; está o Yes para o Rock Progressivo. Assim como todo gênio – ou, no caso, grupo de geniais músicos -, a banda também possui sua magnum opus, e seu nome é “Close to the Edge”. Talvez a hermética concha que é o movimento Progressivo nunca tenha produzido uma pérola de tamanha perfeição, tão equilibrada, tão bela. A imaginação e magia contidas nessa obra são impressionantes, justificando o amor dispensado a ela por tantos proggers mundo afora.

Sinceramente, acho que o ano de 1972 tinha algo diferente em sua atmosfera, alguma substancia no ar – não; não me refiro à maconha ou a nenhuma outra substância ilícita, pois estas já estavam presentes antes e continuam presentes hoje. Obras fantásticas encontraram solo fértil naqueles 365 dias para poderem florecer, e com estes cinco rapazes ingleses não foi diferente. Aqui, Jon Anderson, Rick Wakeman, Steve Howe, Chris Squire e Bill Bruford realmente se superaram, produzindo a obra que serviu de referência para diversos outros artistas da época e dos atuais dias. O Yes, com certeza, foi uma das bandas mais influentes do movimento Progressivo, e suas características estão concentradas no álbum em questão.

Já devo avisar que o álbum soará bastante estranho a ouvidos desacostumados, regra que vale para a maioria das obras Progressivas, mas, ainda assim, vale experimentar. O disco tem uma outra característica muito comum em álbuns do gênero e que causa estranhamento aos ouvintes iniciantes: a pouca quantidade de músicas que, em compensação, são obras de longo fôlego. A faixa título possui 18 minutos e 37 segundos; a segunda faixa, 10 minutos e 09 segundos; e a terceira e última faixa, 8 minutos e 57 segundos.

Vamos à análise. O álbum, produzido por Eddie Offord juntamente com a banda, inicia-se com a faixa que talvez possa ostentar o título de melhor suíte Progressiva de todos os tempos, a magnífica “Close to the Edge”. Sua introdução peculiar soará como um caminhão cuja carroceria está cheia de instrumentos musicais se colidindo – como já li uma vez – para marinheiros de primeira viagem, mas trata-se na verdade de um trecho de grande complexidade sonora, passando depois para o tema principal da canção. O baixo de Squire mostra-se inquieto e soberbo, sempre com seu estilo inconfundível. As melodias excepcionais transportam-nos diretamente para o interior de uma floresta verde e úmida, passando por riachos e pássaros cantantes – como na introdução. A guitarra de Howe também exerce papel de grande importância, juntamente com a voz cristalina de Anderson, os teclados virtuosos de Wakeman e a bateria quebrada de Bruford. Que deleite! Após um trecho inspiradíssimo e bastante erudito, um momento delicioso nos espera. É a sessão “I Get Up, I Get Down”, ainda parte da suíte. Esse fragmento da faixa é de beleza e doçura ímpares, como se fosse parte de um sonho; um daqueles que te dão saudades de um mundo mágico em que você nunca esteve. Me desculpem o excesso de comparações absurdas, mas não posso evitar, devido à forte impressão que a obra causa neste humilde escriba. O arranjo vocal é sublime, executado por Anderson, Squire e Howe. A canção segue com um momento de virtuosismo tecladístico de Rick Wakeman, com seu estilo Rococó sintético. A obra caminha para seus momentos finais, em que se executa o tema principal com arranjos diferentes. Fabuloso!

A segunda faixa, “And You And I”, outro clássico absoluto da banda, é outra viagem pelas paisagens naturais de um mundo verde e virgem. É como estar em uma canoa, em um rio calmo, tendo sua bela dama como única companhia. Será que Tolkien escutava Yes?!? A música possui uma originalíssima melodia, apoiada sob as cordas de Howe, possuindo, porém, inúmeras mudanças de tempo e instrumentos, tornando a análise bastante complicada. Em resumo, é o momento mais romântico do disco, podendo, para alguns, soar até um pouco meloso. Mesmo assim, é uma obra digna do álbum em que está inserida.

O álbum fecha com a mais agressiva “Siberian Khatru” – e nem adianta procurar pela palavra “khatru” no dicionário. A faixa possui um caráter meio jurássico, contrastando com a placidez das duas canções anteriores. A linha de baixo, como sempre, é genial, assim como todos os músicos e a voz de Anderson. Trata-se, realmente, de um álbum fora de série.

Tudo isso é embalado pela capa de Roger Dean, brilhante artista responsável por praticamente todas as capas do Yes e de vários outros conjuntos da época. É nesse disco em que aparece pela primeira vez o logotipo clássico da banda. Apesar de não possuir a elaboração usual das capas do desenhista, o design casa-se perfeitamente com a sonoridade do álbum, colorindo-o com o verde bucólico que as músicas sugerem.

Inigualável.

Wishbone Ash - "Argus"

2008-12-17T13:24:00.003-02:00

Durante as décadas de 80 e 90, tornou-se modismo entre bandas de Metal, como Saxon, Blind Guardian, e Rhapsody, a temática de batalhas épicas e heróicas, em que cavaleiros de espada em punho encontram seu destino em campos de batalha. Algumas bandas, tentando emular a musicalidade erudita ou popular da idade das trevas, produziam obras de tom pseudo-medieval, prática que já se tornou uma espécie de clichê headbanger.

Tal temática, porém, teve inicio na década de 70, principalmente no Hard Rock e no Rock Progressivo. Inserida nesse contexto está a banda Wishbone Ash, com seu terceiro álbum de estúdio, “Argus”, produzido por Derek Lawrence. Estamos nos referindo, contudo, a uma obra-prima absoluta do Rock, lançada no prolífico ano de 1972.

Nunca na história da musica fez-se Rock “de guerra” com tamanha maestria. A começar pela capa do disco, obra do ilustre estúdio Hipgnosis. A capa decodifica em imagem a sonoridade do álbum, como se fosse a fotografia de uma musica. O soldado na fronteira, observando à procura de possíveis intrusos, dá ao disco uma feição épica, mas de forma classuda e natural.

O álbum inicia-se com a doce e matinal “Time Was”, com os violões de Andy Powell e Ted Turner, e a excelente harmonia vocal de Ted e Martin Turner. A melodia da canção apresenta uma rara fusão de leveza e esplendor, possuindo um bucolismo sonoro. Após essa reflexiva aurora, a musica rompe em um Rock mais embalado que, mesmo não tendo a beleza da parte anterior, ainda ostenta grande charme.

A próxima faixa, “Sometime World”, é uma balada que possui a elegância presente em todo o álbum, com a beleza melódica tão característica dessa singular obra. A canção, assim como a faixa anterior, torna-se um Rock classudo com fraseados e harmonias vocais e de guitarras.

“Blowing Free”, a mais descontraída do disco, é simplesmente uma delicia. Sua temática nada tem a ver com o cenário de uma guerra, abordando o velho tema garoto/garota. Mesmo assim, destaca-se no disco como uma de suas faixas mais agradáveis.

A próxima faixa é, sem duvidas, um dos grandes clássicos do Hard setentista. Trata-se de “The King Will Come”, uma canção escatológica sobre o juízo final. A faixa começa com uma gradação em que a musica vai crescendo até explodir em um riff simplesmente alucinante. Os solos, no estilo “twin guitars”, marca registrada da banda, são inspiradíssimos, e o wah-wah nunca soou tão pomposo.

“Leaf and Stream”, mais uma atmosférica balada de caráter etéreo e cigano, é resultado de um belíssimo arranjo de guitarras e inspiradíssima melodia vocal, só pra variar. A faixa é o último suspiro antes da batalha realmente começar.

É chegado o momento. Todos estão preparados, com seus elmos, cotas-de-malha, escudos e espadas. “Warrior” vem com seu poder avassalador, num riff absolutamente bélico e destemido. Sem nenhuma pretensão de soar medieval, a banda evoca, com genuíno e genial Hard-Prog, um sangrento campo de batalha, digno dos exércitos de Gondor e Rohan contra Mordor. Nunca se conseguiu tão plenamente esse efeito na musica pop, com exceção, talvez, em “I Could Never Be a Soldier”, do Gnidrolog.

Após o término da peleja é hora de abaixar a espada, deixar a gloria, e voltar pra casa. “Throw Down the Sword” tem início com uma melodia sensacional feita pelas guitarras harmonizadas de Andy e Ted, a que se junta o rufar da caixa da bateria de Steve Upton. A canção é uma balada que se encaixa perfeitamente à aura do trabalho, fechando-o de forma equilibrada e triunfal, com os característicos solos de guitarra sobrepostos, desta vez acompanhados pelo suave órgão de John Tout, musico emprestado da banda de Folk-Prog Renaissance.

Assim termina essa experiência sonora. A banda nunca mais produziria um álbum de tamanho cacife, ainda que lançasse outras obras de grande qualidade. “Argus” foi votado como o melhor álbum de 72 pelos leitores de dois jornais bastante populares da época, batendo gigantes como “Close to the Edge”, do Yes; “Thick as a Brick”, do Jethro Tull; “Machine Head”, do Deep Purple, entre tantos e tantos outros trabalhos lançados nesse ano fenomenal.

Quem sou esse tal de mim mesmo?

2008-12-13T20:14:00.002-02:00

Os fenícios já adoravam uma imagem, um ser, uma interrogacão a qual não sabiam nomear. Usava óculos e boina. Na boca, sempre um cachimbo. Nariz pontudo, cabelos brancos. Costeletas vistosas e uma careca lustrosa.
Os fenícios, sem saber, adoravam a João Lemmos!

Desconsiderem o texto imbecil e curtam o blog...