Olívia Byington - "Corra o Risco"

Nessa última terça-feira, enquanto o samba opulento ensaiava suas últimas passadas de carnaval, estava eu num ônibus voltando de um acampamento, com os fones atochados nos ouvidos. Ao ver, pela janela do veículo, árvores, nuvens e morros, imagens formavam-se em minha cabeça, fomentadas por aquela musicalidade incrível vinda do meu mp3 player. O som em questão era o maravilhoso “Corra o Risco”, primeiro álbum solo de Olívia Byington, maravilhosamente acompanhada pela Barca do Sol – é claro.

A cantora, desde cedo elogiada pelos críticos, já vinha trabalhando com Jaques Morelembaum no grupo “Antena Coletiva”. Então, evidentemente, ninguém melhor que ele e seus comparsas para conduzi-la nesse grande trabalho do riquíssimo e nem sempre reconhecido acervo brasileiro. O disco, lançado em 1978, além das incríveis faixas inéditas – algumas delas re-aproveitadas no último e excelente álbum da Barca, “Pirata”, do ano posterior – traz releituras de grandes composições d’A Barca do Sol, completamente revestidas de novos arranjos e, algumas vezes, até superando as versões originais.

“Fantasma da Ópera” abre muito bem o álbum, com arranjos absolutamente novos, bem mais carregados que em sua primeira versão. Apesar do glissando inconveniente de Olivia – fenômeno isolado da faixa, que fique bem claro – a canção ganha aqui uma roupagem interessantíssima, com percussão corporal e, no final, vocalizações quase indígenas, o grande destaque da música, em minha opinião. Tudo se mistura em uma grande festa sonora, aciganada, bem ao estilo d’A Barca. Extremamente empolgante.

Em contraste com a faixa anterior, “Lady Jane” é apresentada de maneira suave e lúdica, em que Olívia mostra com grande êxito seus dotes vocais, embalada pelo instrumental doce e límpido de sua fabulosa banda de apoio. É interessante notar o uso de teclados na obra, praticamente inexistentes nos dois primeiros discos d’A Barca. A banda executa também belíssimos vocais.

A primeira faixa inédita do disco, a própria “Corra o Risco” é uma grata surpresa aos fãs da banda. Olívia executa a maravilhosa melodia da canção, acompanhada unicamente pelo violoncelo, a que são acrescentados, gradualmente, os outros instrumentos. Cada estrofe recebe ornamentos diferenciados, criando uma atmosfera muito forte e sinistra. Vale citar mais uma vez a competência do grupo na feitura de climas maravilhosos, fazendo o ouvinte imaginar paisagens que servem de pano de fundo às canções. Destaque para o arranjo de flautas executado do 01:11 ao 01:32, lembrando um pouco o Genle Giant. Logo após, um belíssimo trecho, mais enérgico, é executado, um Folk de primeiríssima categoria.

“Jardim de Infância” configura-se em uma das mais belas canções que já ouvi em toda a minha vida. E quem me conhece sabe o quão difícil é me ouvir soltar máximas desse tipo. O trecho final sempre me toca muito, constituído de uma melodia erudita simplesmente deslumbrante. O canto lírico de Olívia torna-se um instrumento indispensável na composição, tanto que foi re-utilizado na versão do “Pirata”. Sublime.

Outro momento delicioso é “Banda dos Corações Solitários”, uma alusão ao mais importante álbum da mais importante banda de toda a história do Rock. Inédida, a faixa possui grande beleza melódica e arranjos suaves, muito pertinentes.

A próxima faixa, “Cavalo Marinho”, possui a melhor letra de todo o repertório da Barca do Sol. Uma poesia tão bela quanto curta, apenas quatro versos inspiradíssimos. Musicalmente, a canção não deixa nada a desejar, construída basicamente por dois violões dedilhados, acrescidos, posteriormente, a outros instrumentos, como flauta, violoncelo e órgão.

A sensacional “Lobo do Mar”, outro destaque absoluto na obra, possui grande riqueza de andamentos e temas variados, apresentando, em seu início, um quê de Genesis. O contraponto entre momentos tranquilos e agressivos é muito bem construído e coeso.

Arte. Essa é minha definição à finíssima “Água e Vinho”, dotada de uma tristeza gelada e grande requinte. A brilhante performance de Olívia, adicionada ao violoncelo, órgão, flauta e violão, fazem nossa alma realmente mergulhar na dramaticidade da canção. Belíssima letra.

Uma das releituras mais diferentes da original certamente é “Brilho da Noite”, que continua selvagem, mas de maneira completamente distinta. Ao contrário da versão contida no álbum homônimo d’A Barca do Sol, essencialmente acústica, em “Corra o Risco” a faixa abunda em sons elétricos de guitarra e violino destorcidos, teclados, e um baixo mal-crido - no bom sentido, éclaro. O resultado é muito bom, apesar do “CAAAARROOOO” da Olívia irritar um pouco.

Outra amostra do talento da vocalista e sua extensão vocal é “Minha Pena, Minha Dor”, acompanhada por um belo arranjo para piano.

A sensacional faixa “Luz do Tango” espanca com violência a cara do ouvinte – sutil, não? – encerrando esse disco fora do comum. A melodia vocal começa com guitarras abstratas, colorida, depois, pelos outros instrumentos que surgem aos poucos. A canção vai subindo de tom a cada estrofe, sofrendo mudanças – hora bruscas, hora sutis – de instrumentação e arranjos. O resultado é sensacional e extremamente poderoso, fluido, contendo aquela mágica que faz as cabeças balançarem – em desespero, no caso das mães.

Grandioso. “Corra o Risco” deveria, realmente, ser reconhecido como um clássico absoluto do Rock/MPB. Trata-se do último álbum em que Morelembaum trabalha com a Barca, sendo que, em “Pirata”, a banda já não conta mais com seu reverenciado violoncelista.

Enquanto eu puder desfrutar de música de tamanha qualidade, originalidade e sensibilidade, meus introspectivos carnavais estarão garantidos. E que passem, longamente e por muitas vezes, as árvores, nuvens e morros pelas janelas do ônibus.

A Barca do Sol - "Durante o Verão"

Aproveitando o embalo da resenha anterior, continuarei a escrever sobre este grande conjunto brasileiro que foi A Barca do Sol. Seguirei cronologicamente, tratando hoje de seu segundo e mais aclamado disco, “Durante o Verão”, lançado em 1976 pela gravadora Continental, e produzido por Egberto Gismonti. A banda, nesse trabalho, após uma mudança de formação, utilizou mais que nunca a guitarra elétrica, flertando um pouco mais com o Rock Progressivo inglês e produzindo um álbum finíssimo, digno de toda admiração a ele atribuída.

Ao som de gaivotas e ventania – mais litorâneo impossível – começa a faixa título, construída sobre a base tradicional das canções da Barca: flauta transversal, violões dedilhados, percussão e o violoncelo de Jacques. A diferença é que a faixa conta com um contrabaixo acústico, muito bem executado, por sinal.

“Hotel Colonial”, uma das grandes composições do álbum, é mais uma amostra da grande capacidade criativa da banda e sua facilidade em criar atmosferas sombrias e, digamos, “ameaçadoras”. A faixa tem início com um apito de navio, executado juntamente com o violoncelo, preparando a entrada para uma guitarra dedilhada e a melodia vocal. A faixa possui um belo trabalho vocal e instrumental, abundante em variações rítmicas e riqueza de texturas. Destaque para o riff executado após a menção do título na letra e para os arranjos de violões, guitarra e violoncelo.

Lenta e triste, “A Língua e a Bainha” vem como um bálsamo, envolvendo-nos com sua beleza melódica e harmônica. Trata-se de uma canção intimista, para se ouvir sozinho, saboreando cada nuance sonora.

“Os Pilares da Cultura”, a mais pesada do disco, caracteriza-se por guitarras destorcidas, bateria quebrada e uma letra muito interessante, um emaranhado de ditados, clichês, palavras de ordem e até frases publicitárias conhecidas no Brasil. Aqui, A Barca do Sol mostra sua face mais roqueira e se dá muito bem.

O disco segue com “Karen”, um retrato musical do cotidiano de uma mulher, cantarolando em sua casa, acompanhada pelos ruídos do rádio ligado, pássaros cantando, e um carro saindo da garagem. Ao cessar o canto da mulher, é a vez da banda executar a mesma melodia, utilizando apenas flauta e violão. A única faixa instrumental do LP.

Outro grande momento da obra, “Memorial Day” inicia-se com conversas e exclamações aleatórias – o ouvinte mais atento ouvirá, inclusive, um “Batman e Robin vem aí”. A canção é dotada de uma maravilhosa melodia, além de arranjos soberbos. A banda inclusive arrisca um cânone, lembrando o Gentle Giant, seguido de um trecho de Rock Progressivo classe A, com uma pegada bastante enérgica. Belíssima execução de todos os instrumentos.

A banda nos serve um verdadeiro “Banquete”, apetecendo e saciando a todo ouvinte ávido por um sabor proporcionado apenas por um disco de tamanho cacife. O violoncelo de Jacques, soberano, afirma definitivamente a faixa como uma das mais belas composições de todo o repertório do grupo.

“Belladona, Lady of the Rocks” possui um caráter meio latino, adicionando um tempero diferenciado ao disco. As guitarras destorcidas e percussão marcam presença mais uma vez.

O disco fecha com “Outros Carnavais”. Bem direta, a canção dispensa introdução, já começando com tudo. Aqui encontramos os ingredientes presentes na maioria das receitas da Barca, ou seja, instrumentação acústica e arranjos puxados para o Folk.

Como o caro leitor pode perceber, o segundo disco d’A Barca do Sol é um dos casos raros de 100% de aproveitamento, não possuindo uma só canção ruim. E o pior é que eu fui perceber o quão bom é o disco apenas essa semana! Vai entender...

A Barca do Sol - "A Barca do Sol"

“Quanto ao nosso som, dizer que fazemos rock puro seria o mesmo que ouvir cinco russos dando uma de Originais do Samba. Ou um bando de japoneses tocando baião. Nós, como eles, não teríamos swing”. Essa definição, dada pela própria Barca do Sol, traduz muito do universo e da visão musical desse tão peculiar grupo formado no Rio de Janeiro, em 1973. E, de fato, o que esses nove caras fizeram não caberia tão facilmente em um só rótulo.

O disco resenhado hoje é o álbum de estréia da banda, lançado em 1974, e é, em minha opinião, o mais original e experimental de todos eles. Aliás, nada aqui é convencional: melodias estranhas, instrumentação intrigante, letras enigmáticas, e uma criatividade fora do comum. Ao contrário da maioria das bandas nacionais da época, A Barca do Sol não se preocupava em imitar o som da gringalhada, optando por uma música que os fizeram únicos.

Não é à toa que o grupo chamou tanto a atenção de Egberto Gismonti, um dos grandes monstros da música brasileira que, além de produzir o disco, ainda fez pequenas participações, tocando sintetizador em duas das faixas. Outras presenças marcantes são a do violoncelista Jaques Morelembaum, membro da banda durante seus dois primeiros álbuns, e a do flautista bretão Richard Court, mais conhecido como Ritchie – sim, aquele mesmo Ritchie de “Menina Veneno”, por mais estranho que possa parecer!

O disco começa com “A Primeira Batalha” que, apesar de sua letra um tanto inconsistente e repetitiva, possui melodia e instrumentação impecáveis. A canção difere-se bastante do restante do repertório do grupo, dominado por letras introspectivas e melodias sombrias. Os violões, as flautas, o violoncelo e a percussão dão à faixa um tom descontraído e cigano, com uma sonoridade folk muito gostosa e natural.

A próxima faixa, “Brilho da Noite”, é um grande destaque não só do álbum, mas de todo o repertório da Barca. Trata-se de uma música extremamente dramática e teatral, dando a sensação de que se está no meio do mato com animais selvagens e outras criaturas noturnas à espreita. Letra e arranjos sensacionais, afirmando o som agreste da faixa.

“Arremesso”, apesar de uma bela canção, é um tanto monótona. De qualquer forma, vale sua vaga no disco, possuindo bons arranjos e trechos inspirados. Destaque para o violoncelo de Jaques. Ainda no mesmo clima melancólico e intimista, segue-se “As Boas Consciências”, possuindo, também, delicados arranjos, todos de muito bom gosto.

Um tanto mais estranha que as duas canções anteriores, “Caminhão” apresenta uma sonoridade bastante tribal, com os arranjos caóticos e ousados, tão presentes na obra.

Ótima melodia e letra bem interessante são as principais características de “Lady Jane”, que emenda-se com “Dragão da Bondade”, outra faixa muito agradável. Apesar de momentos doces, a faixa possui uma instrumentação mais pesada em seu refrão, marcada pela flauta inquieta, violões batidos e o violoncelo marcante de Morelembaum. Seu único ponto negativo é um violinozinho indigesto, no finalzinho da faixa. Mas nada que a comprometa...

“Alaska” é outro destaque do disco. Sua melodia nada convencional e sua letra ainda mais peculiar chamam muito a atenção, e agradarão a qualquer ouvinte à procura de algo diferente. A faixa possui mudanças de tom e de ritmo, contribuindo ainda mais para sua riqueza e distinção.

O álbum segue com outro grande momento, “Fantasma da Ópera”. Já está ficando chato, mas eu tenho a obrigação de repetir mais uma vez que a banda foi extremamente feliz em seus arranjos, melodias e letra. A faixa tem início com uma vocalização muito interessante, lembrando grandes grupos brasileiros como, por exemplo, o MPB4.

“Corsário Satã”, a mais agressiva do disco, faz o ouvinte sentir-se, realmente, em um navio pirata. Trata-se de uma das grandes composições da carreira do grupo, extremamente imaginativa e expressiva. O melhor é que nem é preciso de um mapa do tesouro para se ter acesso a essa preciosidade.

A Barca do Sol chega finalmente ao porto com a faixa título, muito bela e delicada. É hora dos tripulantes descerem ao solo, já com certa nostalgia, para relembrarem os grandes momentos dessa viagem.

Resumo da ópera: eu não sei se posso chamar “A Barca do Sol” de um disco de Rock; também não sei se devo chamá-lo de um álbum de MPB, ou seja lá o que diabos for. Só posso afirmar uma coisa: trata-se de ótima música. E é só isso o que interessa.

John Lee Hooker - "Chill Out"

Sob o sol escaldante no céu, às batidas de milhares de arados no solo, nos campos de algodão e tabaco regados pelo suor dos escravos norte-americanos, podia-se ouvir um clamor, um grito de angústia. Vindo de cada boca negra, e resultado de desumana opressão, um canto triste e sem perspectivas ecoava; canto este que os fazia lembrar de sua mãe África, de sua terra deixada há muitos anos, há muitas milhas de água salgada.

Tal canto, ao longo dos anos, sofreu mudanças e adaptações, gerando um estilo de crucial importância à musicalidade ocidental do séc. XX até os dias atuais: o Blues.

Às margens do rio Mississipi surgiram os primeiros grandes nomes do gênero; logo em seguida, o Blues atingiu Chicago, influenciando, na década de 40, os pioneiros do Rock americano, e sendo, na década de 60, resgatado pelas grandes bandas britânicas, como os Stones e os Beatles.

Entre os principais nomes do estilo, como os veteranos Robert Johnson, Muddy Waters e BB King, está o artista de cujo disco falarei na resenha de hoje: John Lee Hooker. O álbum em questão é “Chill Out”, lançado já na década de 90 – mais precisamente em 1995 – quando o artista já possuía longos anos de carreira e experiência, gozando de enorme respeito por parte dos entusiastas da música negra norte-americana.

Apesar de não tratar-se de um registro antigo, “Chill Out” conserva o verdadeiro espírito do Blues, tendo em cada nota batida em seu violão as cicatrizes e a melancolia características do estilo. Por mais que, na maioria das vezes, as letras não serem pessimistas – fato nada anormal ao estilo que, afinal de contas, não é feito só de amarguras – há predominância de uma sonoridade bastante taciturna e até mesmo monótona, o que, em minha opinião, é um ponto pra lá de positivo.

O disco tem inicio com “Chill Out (Things Gonna Change)”, contando com a guitarra caliente de Santana. A faixa possui uma sonoridade impar no trabalho, com a forte veia latina trazida pelo guitarrista convidado. Os instrumentos de percussão adicionam ainda mais ênfase a esse tempero. Com todo o respeito a Santana e sua importância para a musica em âmbito mundial, esta talvez seja a faixa que menos me agrada em todo o disco, sendo sua faixa mais comercial.

Para mim a diversão começa realmente com a segunda faixa, “Deep Blue Sea” – se é que a faixa possui algo de divertido… Trata-se daquele Bluesão bem a la Hooker, escrita e executada pelo músico. São só John, seu violão de cordas de aço e seu pé, batendo o ritmo, solitário, insistente, no piso do estúdio, proporcionando ao ouvinte um momento bem intimista, como se estivéssemos sentados em um quarto de um casebre em Nova Orleans, observando a chuva pela janela e ouvindo os acordes martelados no violão.

O álbum tem continuidade com “Kiddio” e sua levada gostosa e um tanto mais alegre. A faixa possui bem mais instrumentação que a anterior, contando com um pianinho arisco, executado brilhantemente por Charles Brown; guitarra discreta; um baixo ainda mais discreto; e aquela bateria malandra, ali, como se não quisesse nada com nada.

Outro momento intenso é o medley “Serves Me Right to Suffer/Syndicator”, levando qualquer fã do bom e velho Slow Blues às alturas. A faixa conta com a participação especialíssima de Van Morrison nos vocais e guitarra, demonstrando grande feeling em cada nota executada. O órgão de Booker T. Jones também marca presença, dando à faixa o acabamento merecido.

“One Bourbon, One Scotch, One Beer” trata de um assunto bem decorrente no Blues: a manguaça. Haja fígado! A faixa é um Blues pra cima, bem descontraído – não me chamando muita atenção, pra ser sincero. O ouvinte mais atento perceberá que John Lee, até aquí, não executou dois tipos iguais de Blues, fazendo um passeio por várias variáveis do estilo.

Apartir de agora, a fossa reina soberana no trabalho – ao menos no que diz respeito à musicalidade. “Tupelo”, lembrando a segunda faixa do disco, conta apenas com Hooker, repetindo um riff melancólico em seu violão.

O mesmo clima de profunda melancolia está presente em “Woman On My Mind”. O ouvinte não familiarizado com essa sonoridade, ou se a musica monótona não for mesmo do gosto do freguês, achará tudo isso um porre, abrindo o aparelho de som e enterrando o disco em uma caixa a sete palmos abaixo da terra. Bom, sempre há de haver um camarada que, assim como eu, fechará os olhos e sentirá toda a emoção transmitida pelo músico.

“Annie Mae”, ainda de um fel absoluto, possui acompanhamento de uma bateria lenta, piano expressivo e os solussos rápidos e grosseiros da guitarra característica de John Lee Hooker. Mais uma vez Charlie Brown dá um show à parte no piano. É interessante observar a constante repetição de palavras de John, uma de suas marcas registradas – especialmente quando se trata da palavra “you”.

A próxima faixa, “Too Young”, é um tanto estranha e bastante sentida. Aquí o disco chega ao auge da monotonia, sendo um pouco parada demais até mesmo para mim.
“Talkin’ The Blues” e “If You Never Been in Love” apresentam a mesma forma de Blues, com John se lamentando ao violão.

Confesso que após três músicas seguidas com esse rítmo de lesma o álbum fica um pouco cansativo, mas a última faixa vem salvar o dia: “We’ll Meet Again”, um Slow Blues muito gostoso, fechando o disco com chave de ouro. Bruce Kaphan faz um belo trabalho guitarrístico, diferenciando-se totalmente do estilo de Hooker.

Para a maioria dos ouvintes, o álbum pode ser adjetivado com uma só palavra: chato. Mas para quem quer passar a madrugada sozinho, deitado no quarto, feeling the Blues ao som da chuva, a satisfação é garantida. Bom, não sei se garantida, mas pra mim funciona bem…

Genesis - "Trespass"

Imagine um mundo frio e belo, estático, sombrio, ladeado de montanhas brancas, vistas de uma janela de um palácio azul em que um rei e sua rainha observam a graça de uma paisagem bucólica e deserta. A chave para esse palácio imponente e pálido está nas mãos de uma das grandes bandas surgidas no finalzinho dos anos 60: o Genesis.

Após o lançamento do ignorado “From Genesis to Revelation” em 1969, a banda retornou de cabeça erguida com “Trespass”, entrando de uma vez por todas para a realeza do Rock Progressivo. O disco, ainda não contando com a presença de Phil Collins nem mesmo na bateria, já possui as fortes características que tornariam a banda uma das mais veneradas do gênero. É notável a maturidade do disco, lançado ainda no ano de 1970, quando a maioria das grandes bandas progressivas ainda engatinhavam. Talvez apenas o King Crimson, um dos pioneiros absolutos do estilo, gozava de tamanha naturalidade na produção do Prog naquele ano ainda embrionário.

A capa, criação de Paul Whitehead, pinta o disco com um azul triste, reforçando sua musicalidade vespertina e crepuscular. Trata-se de uma obra a ser apreciada de maneira solitária, no silencio, para se poder absorver cada segundo de tamanha nobreza sonora. “Trespass” possui momentos de tirar o fôlego, tocando o intimo do bem-aventurado ouvinte. É interessante notar na capa, já descrita no primeiro parágrafo, uma referencia visual para cada faixa do álbum, como, por exemplo, um anjinho “semi-barroco” para “Visions of Angels” e uma grande faca para “The Knife”.

“Looking for Someone” começa com a voz expressiva do grande líder do grupo, Peter Gabriel, com sua grande facilidade em criar atmosferas imaginativas e letras teatrais – teatralidade esta que se tornou marca registrada da banda, fazendo com que as performances do vocalista no palco se tornassem um espetáculo aparte. A faixa é abundante em belas melodias e arranjos espetaculares. Nobres, como já disse antes. Outra característica da canção é a alternância entre trechos delicados e outros mais agressivos.

O disco continua com a melancólica “White Mountain”, possuindo algumas passagens maravilhosas que se repetem após cada parte mais enérgica. Tais trechos, apesar de inseridos na canção que considero a menos interessante do trabalho, são alguns dos momentos mais belos e intimistas da obra, passando sensações de leveza e candura absolutamente aconchegantes.

Outro belo momento do disco é “Vision of Angels”, apresentando a melancolia presente em toda a obra, além dos belos arranjos e inspiradas melodias. Talvez seja essa a faixa em que o baterista John Mayhew tenha mais destaque, com suas poderosas e empolgadas viradas, dando ainda mais força aos acordes executados pela banda.

É no lado B, porém, em que se encontram as mais belas composições do disco. A primeira delas, “Stagnation”, e uma das obras-primas absolutas de toda a carreira do Genesis, em minha opinião. É uma daquelas canções que nos elevam a um estado de êxtase profundo, abundante em momentos impressionantemente belos. Faltam-me palavras para descrever esta que é a grande atração do álbum. O sintetizador de Anthony Banks nos leva à loucura, assim como os violões dedilhados de Banks, Philips e Rutherford. Fora do comum.

A segunda, “Dusk”, é sublime. A faixa mais simples do álbum possui um poder de acalanto absoluto. É como ter uma visão antecipada do paraíso. Devido à incompetência das palavras ao tentar descrever tal beleza, caminharei para a faixa final.

“The Knife” apresenta agressividade inédita no trabalho, possuindo, mesmo que de maneira violenta, a elegância tão característica do álbum. A música soa como uma revolução, um atentado ao quieto palácio em tal país imune ao tempo. A faixa possui também momentos mais calmos em que a flauta de Gabriel dá o ar de sua graça. Um grito infantil de desespero em meio a outras vozes inquietas é sinistro, aumentando a voracidade sonora da peça.

“Trespass” mostra-se um trabalho austero, merecendo atenção absoluta por parte do ouvinte. Trata-se de uma daquelas raras oportunidades de ser um membro da realeza, mesmo que por apenas um pouco mais de 40 minutos.

Desculpem pela demora, caros blognautas. O velho João saiu de férias, mas já está de volta. Atualizarei o blog o mais depressa possível.
Até mais!

Mutantes - "Tudo Foi Feito Pelo Sol"

Quando pintaram os anos 70, todo mundo pirou ao som do novo tipo de Rock produzido na Europa, mais tarde batizado Rock Progressivo. Yes, Pink Floyd, Genesis, Jethro Tull e King Crimson eram alguns dos nomes da vez, venerados pela geração pós-psicodélica. Como não poderia deixar de ser, a febre também bateu forte aqui, em terras verde-amarelas, influenciando uma boa leva de bandas que, agora, se ligavam ao som do moog.

Um obstáculo, porém, com que nosso esfarrapado Brasil se deparou ao enveredar-se pelos caminhos tortuosos de tal estilo, foi a falta de tecnologia necessária à feitura desse sofisticado e intrigante som. A única saída para as bandas brazucas era garimpar no estrangeiro, em busca dos tão caros equipamentos adequados. E talvez nenhuma banda tenha ostentado um equipamento tão invejável quanto o dos veteranos roqueiros paulistas dos Mutantes.

Em 1974, quando os Mutantes já eram praticamente propriedade do Sr. Sérgio Dias, tendo passado por diversas mudanças de formação ao longo dos anos e dos discos, o guitarrista, juntamente com a banda, formada por Túlio Mourão, nos teclados; A. Pedro de Medeiros, no baixo; e Rui Motta na batera; resolveu lançar um dos álbuns ícones do Progressivo tupiniquim: “Tudo Foi Feito Pelo Sol”.

Apesar de, em alguns trechos, não ser a originalidade o ponto forte do trabalho, o álbum possui momentos simplesmente fantásticos, realmente dignos de toda sua fama e admiração. Os Mutantes tinham o dom de criar universos altamente imaginativos, garantindo ao ouvinte uma passagem de ida à lua – ou qualquer outro satélite ou planeta desconhecido pela astronomia. A viagem já começa com a capa do trabalho, cujo autor não é creditado no encarte – pelo menos não na edição que possuo.

O disco tem início com “Deixe Entrar Um Pouco D’Água No Quintal”, talvez a mais Prog do disco. Sua introdução, um pouco forçada a meu ver, me parece uma tentativa de soar o mais parecido possível com uma banda inglesa. A parte cantada, porém, vem com força total, dotada de sua levada malandra e suingada e um instrumental maravilhoso, executado por uma banda realmente afiada. A sonzera é quebrada por uma parte simplesmente deliciosa, com as guitarras de Sérgio marcando presença. Ao longo da canção há, novamente, o contraponto entre a pegada mais enérgica e as passagens mais suaves, contando com os solos com pedal de delay e arranjos carimbados do contexto Progressivo. Ótima faixa!

A sensacional “Pitágoras” dá continuidade à obra, ao som do teclado magnífico de Mourão. Seu riff super viajante é irresistível, acrescido, posteriormente, dos outros instrumentos do conjunto, um por vez, com melodias sensacionais, até desembocar em uma massa sonora arrepiante. Após essa maravilha, Sérgio demonstra, mais uma vez, seu talento com as cordas, em uma passagem acústica maravilhosamente bem feita. Uma pérola!

Outro momento delicioso é “Desanuviar”. Aqui a banda despeja toda sua veia zen na obra, produzindo uma peça extremamente relaxante e letárgica. Após um trecho mais conturbado, em que a banda vai intensificando o som em uma sucessão de acordes ascendentes, a calmaria retorna com aquele tão amado som do sintetizador, executado por Túlio. A faixa termina ao som de cítaras indianas – nada mais apropriado, não é mesmo?

Após essa sessão de três grandes composições, a banda nos traz a mais embalada “Eu Só Penso Em Te Ajudar”, com bons trechos de piano ao estilo boogie-woogie. A canção possui bons arranjos, com mudanças de andamento e quebras de ritmo, bem Progressiva.

“Cidadão da Terra” possui tecladeira bastante chupada de bandas estrangeiras, lembrando bastante o som de grandes bandas Inglesas. A canção, ainda que de sonoridade um tanto importada, possui o toque viajante dos Mutantes, mantendo a coesão em relação ao restante do álbum.

“O Contrário de Nada É Nada”, um Rock n’ Roll bem simples e descontraído, não possuindo nem 3 minutos de duração. Dispensa maiores comentários.

O disco termina com a faixa título, dotada de uma excelente introdução. A parte cantada, não tão boa quanto o início da canção, ainda consegue agradar, não passando, porém, de razoável. A obra finaliza-se com uma parte instrumental um pouco arrastada, mas bem executada.

Como os caros leitores puderam perceber, as 3 primeiras faixas do álbum são bem superiores às demais, embora nenhuma das outras faça feio. De qualquer maneira, é um trabalho que vale muito a pena – se você sente alguma simpatia pela sonoridade Progressiva, é claro. Todos os integrantes da banda mostram-se extremamente competentes, cada um desempenhando um importante papel para o êxito da obra.

Vale lembrar que foi lançada recentemente uma nova versão do CD, em formato digipack, contendo três bonus-tracks de encher os ouvidos: “Cavaleiros Negros”, apetitosa em todos os seus 8 minutos e 36 segundos; “Tudo Bem”, outra belíssima faixa; e “Balada do Amigo”. Altamente recomendado!

No mais, boa viajem!